Les compartimos un fragmento  de “Los muertos” de María Rivera que se estará presentando hoy en la plática de los Miércoles de SOMA

Aguilar Gracia y Asociados

“Tus ideas son nuestras ideas” 

Durante todo el mes de mayo los invitamos al cuarto de proyectos donde estarán Cristobal Gracia y Daniel Aguilar.

Los invitamos a la inauguración del proyecto nataliaibanezlario.org de la Artista Natalia Ibáñez Lario, el miercoles 2 de mayo a las 8 pm, que estará visible en el cuarto exterior de proyectos de SOMA del 1-30 de Mayo.

www.nataliaibanezlario.org

We invite you to the opening of the project nataliaibanezlario.org by the Artist Natalia Ibáñez Lario, on wenesday may 2nd, that will be visible in the exterior project room of SOMA from may 1-30.

www.nataliaibanezlario.org

Soy pagana, así que estudié letras clásicas (la a, por ejemplo, jamás pasará de moda), pero noté que la producción literaria en lenguas muertas no es ya tan fecunda como solía, así que me dediqué a traducir del portugués, pues al parecer hasta entonces los traductores no se habían dado cuenta de que era otra lengua: tomábanlo por algún tipo de poesía experimental y oscura, de esa que se usa ahora. En ésas andaba cuando me capturó una nave de sanguinarios piratas que me forzó a remar en su galera por un mendrugo de pan y una hora de reposo al día. Tan arduamente remé que los piratas me eligieron capitana, lo cual en nada alteró la naturaleza de mi labor, salvo por una extraña sensación de perplejidad. Entonces, para mi desdicha, descubrí que la galera era en realidad una Institución Cultural, lo cual en nada alteró la naturaleza de mi labor, salvo por una extraña sensación de perplejidad.

Crédito foto: Revista Código

La revista Código entrevistó a una de nuestras integrantes del PEC, Paola de Anda en su artículo: El arte y lo público: 8 proyectos latinoamericanos.  Aquí el texto:

Para ti, ¿qué es lo público?

Un derecho y un bien común que se tiene que proteger y construir. Un terreno inestable de negociación constante con lo otro. Un espacio en el que se intercambian, negocian y exploran distintas posibilidades de convivencia. Un espacio de identidades móviles, de comunidades latentes, efímeras y de utopías posibles.

¿De qué trata tu trabajo?

 He intentado explorar en mi trabajo la dimensión política de la noción de ritmo en nuestra vivencia del tiempo. ¿Cómo emanciparse de la vivencia de un tiempo impuesto por el sistema capitalista? ¿Cómo lograr una contemplación activa de nuestra realidad y de nuestra experiencia en ella? ¿Qué podemos aprender de la relación con temporalidades distintas a la nuestra? A partir de estas preguntas me he involucrado en dinámicas de trabajo relacionadas en su mayoría con el tiempo de lo vegetal (sus procesos de crecimiento y degradación) y su relación con otros sistemas como la ciudad o el espacio de exposición. De un tiempo para acá me interesa explorar el tiempo y los procesos vitales de la memoria.

¿Cómo ves la escena del arte contemporáneo en México?

Diversa, con posturas distintas, círculos de poder y élites definidas que generan formas de sumisión a las reglas y demandas del mercado. Al mismo tiempo, efervesente, con generaciones nuevas intentando construir espacios de autonomía y criterios para posicionarse frente al mundo del arte. Creo que es urgente que logremos responder a nuestro momento histórico, explorando nuestra subjetividad y los contextos propios sin perder de vista el valor de lo comunitario y de lo diferente.

Cuéntanos cómo fue el proceso de la pieza Monumento en deriva.

Según Robert Musil, “la cosa más sorprendente de los monumentos es que nunca los vemos, nada en el mundo es tan invisible”. Monumento en deriva parte de esta paradoja para reflexionar sobre los gestos que involuntariamente le dieron visibilidad a un monumento. Este monumento se encontraba en el camino que realizaba a diario de mi casa al metro. Alguien lo cubrió con cartón (el monumento parecía un indigente), y poco a poco comenzó a convertirse en una imagen constante en mi cabeza con preguntas sobre la situación de ambigüedad en la que se encontraba en ese tiempo. Es así como comenzó la indagación que me llevó a recuperarlo de mi memoria a través de un ensayo escrito y una pequeña crónica en imágenes sobre su desaparición.

¿Cuál es tu trabajo más reciente y cuáles son tus planes?

Mi trabajo más reciente fue una instalación de sitio específico en una casa que se remonta a la época de la Colonia, ubicada en el Centro Histórico. La pieza se llamó latencia tropical aludiendo a una situación de exotismo que se encuentra presente en la arquitectura y el decorado de la casa. Trabajé con los remanentes arquitectónicos de la casa que se encontraban en una bodega, como puertas, ventanas, molduras de arcos, etcétera, y los situé en un diálogo con la arquitectura del lugar y con un conjunto de piñas que dispuse de distintas maneras (en forma de columna, creciendo en un contenedor, emergiendo del suelo, etc). Mi siguiente exposición individual será a finales del mes de abril en León, Guanajuato, en un espacio independiente llamado Bikini Wax.

“A Brief History of Breakdown”, es la segunda exposición individual en la galería Yautepec del artista radicado en Guadalajara, Joaquín Segura. La exhibición estará abierta al público en los horarios regulares de la galería a lo largo de la 12va edición de la Feria de Arte Contemporáneo Zona Maco y continuará montada hasta Junio 2. La inauguración oficial del evento se llevará a cabo el sábado 21 de Abril de 8PM a 11PM.

Desde hace tiempo, el trabajo de Segura apunta hacia la disección de ciertos mecanismos que rigen a las instituciones de poder. Sin embargo, en A Brief History of Breakdown, Segura se enfoca en un impassé— o en lo absurdo del diálogo y la conciliación entre los poderosos y los desvalidos—.

La exposición está conformada por obra completamente nueva que se deshace en parte del estilo confrontacional con el que Segura ha llamado la atención a nivel internacional. Este trabajo aún tiene como propósito enervar, pero en este caso, las razones no son identificables a simple vista. Segura ha nombrado como obras “mudas” a aquellas que operan por medio de estrategias de encripción y traducción en vez de utilizar el shock y la provocación directa. Su efecto se convierte en algo mucho más desconcertante por que es engañosamente sutil.

En la serie El Síndrome del Mesías, Segura presenta diversos dibujos en carboncillo de artefactos explosivos improvisados, que fueron confiscados y desarmados antes de su utilización o bien, que sufrieron una detonación defectuosa. Producidos en el estilo clásico de una naturaleza muerta, estos objetos de desesperación y medidas extremas son transformados en símbolos de impotencia, cargados de narrativas imaginarias acerca de mártires fallidos.

Por otro lado, en la obra Cancelaciones y Encubrimientos #1, un documento casi enteramente borrado que consigna el uso por parte de la CIA de una controversial práctica de tortura denominada waterboarding ha sido transformado en un gobelino tejido a mano. En esta grandilocuente escala y después del proceso de traducción entre soportes, el altamente censurado documento comienza extrañamente a aludir al carácter de las pinturas de campo de color a blanco y negro de Ellsworth Kelly, mientras que el poco texto que permanece visible constituye una señal ominosa que refiere al verdadero origen de la imagen.

La idea de la negación como estética en la obra de Segura nos conduce hacia los Ejercicios Sobre Mutismo Selectivo, una instalación compuesta por mantas de protesta hechas a mano -recuperadas de marchas recientes y plantones de las calles de la Ciudad de México- mismas que han sido pintadas de blanco, anulando su contenido por completo. Para Segura, el aspecto que resulta fascinante de estas protestas cotidianas e omnipresentes así como de los campamentos a largo plazo que se observan en la capital del país es que se han convertido en algo absolutamente ordinario — ahora son elementos del paisaje urbano, manifestaciones de disidencia completamente asimiladas por aquellas estructuras a las cuales pretenden afectar. Presentando estas mantas dentro del contexto de una galería de arte contemporáneo, silenciadas por la simple aplicación de pintura blanca, estas pancartas se transforman de instrumentos de lucha social a símbolos de desesperanza y fracaso.

Asi, el argumento de “A Brief History of Breakdown” asume una lógica sombría: La resistencia es fútil. El cambio es imposible. Todo está jodido. Para siempre.

por Rocío Cerón

Mi primer viaje transatlántico. Madrid, 1993. Entonces el mundo era infinito. El encuentro fortuito con una vieja amiga en la Telefónica fue un acontecimiento. El mundo es un pañuelo, escuché varias veces en mi cabeza mientras nos encaminábamos hacia una de las terrazas del Paseo de la Castellana. Una vieja amiga del barrio, de niñas. Años de no verla. Venirnos a encontrar en ¡Madrid!, cuando a lo sumo nuestros paseos no pasaban del mercado de la Escandón, un barrio de clase media algo venido a menos de ciudad de México. Así me enteré que era pintora. En aquel momento me debatía entre ser artista conceptual (le tenía una extraña adoración al performance) o ser poeta (igual adoración pero con miedo ante el tamaño verbal de, ejemplo, un T.S. Elliot y su Tierra Baldía encima de mi cabeza). La usual incertidumbre de los 21 años. Nos despedimos. No supe de ella en más de dos décadas. Me contactó por Facebook. Vive en Nueva York, se ha casado con un italoamericano, tiene tres hijos, casa en el campo y dos perros labrador. Incluyó envío exhaustivo de fotos de familia, mascotas y el paisaje que se ve desde la ventana de su dormitorio. La pintura la dejó para dedicarse a su otra gran pasión: el cuidado y experimentación con bonsáis.

Por mi parte, le respondí que me dedicaba a los versos, a la escritura de poemas y a la “experimentación con otros medios” (sólo incluí una foto, un still de un videopoema). Y al mandar aquel mensaje por Fb volví a escuchar el eco lejano, “el mundo es un pañuelo”.

¿Qué ha cambiado? El mundo ya no es infinito. El mundo del flujo de ideas sí. Es una red, como las venas del dragón de las que hablan los chinos, creada por datos, información y acciones que se derivan o son provocadas por éstos. Pensamiento parvada/enjambre donde una idea puede tocar varios objetivos al mismo tiempo gracias al mundo de la virtualidad y sus medios. Esta posibilidad descentraliza, no sigue ningún patrón establecido, se convierte en una aguda arma: una idea que llega a miles de personas gracias a los canales de afinidad o gustos compartidos y que permite a grupos pequeños, o células de pensamiento y creación –dígase cualquier individuo enviando/compartiendo desde su computador−, seleccionar las acciones que correspondan a sus intereses y habilidades.

Entre los encuentros personales, los reencuentros con ex novios, o la nota sobre si se está “comprometido, soltero o en una relación complicada”, hay una atomización de espacios que sobresalen: las redes como Fb, Twitter o simplemente el flujo de información en blogs, archivos de distintos medios (audio, imagen, video, ebooks) que van y vienen en Internet han abierto múltiples canales para que la creación y el pensamiento contemporáneo (y obviamente el de todas las épocas anteriores) se deslinde de la regulación y la censura que suponen los estados autoritarios y/o las modas del mercado cultural y literario (otro sistema también totalitario).

Colocar ante la mirada del público una declaración estética es posible en segundos sin tener que pasar por un mediador. La democratización del conocimiento y de la creación es posible. La globalización no es sólo compartir una moneda de cambio o una experiencia común al entrar a una tienda de ropa o un café de nombre norteamericano (del todos conocido) donde el olor es igual worlwide y el sándwich navideño con pavo y arándanos tiene el mismo sabor worldwide. No. La globalización desde mi perspectiva es una aventura para conectar mundos de pensamiento desde la aldea más lejana de Nueva Zelanda con cualquier punto del orbe y generar puentes de diálogo entre dos personas (cabezas-ideas-paradigmas) que dejan de ser entidades enclavadas en puntos específicos geográficos para ser entidades especulativas, espacios de especulación reflexiva, de creación que movilizan el status quo de un determinado tiempo histórico.

La sinapsis en las neuronas crea la posibilidad de conexión que tiene, como fin y principio, la supervivencia del individuo (más allá de la capacidad de pensamiento, reacción, psicomotricidad y demás funciones vitales). Cuando una idea irradia y se conecta con otros que la discuten, la consolidan o la modifican, las redes construyen posibilidades, hechos y efectos. Por ello, la creación hoy día no necesita para su surgimiento del mainstream (aunque muy probablemente su boca voraz querrá deglutirla), necesita un enjambre, movimiento, atomización.

Ale de la Puente

Daniel Monroy Cuevas

David Cruz

Diana Quintero

Erick Diego

Francisco Ugarte

Inauguración 19 de abril 2012, 7.30pm

Periférico Norponiente, Blvr. Adolfo Ruiz Cortinez #3380, Edif. B, Col. Jardines del Pedregal, Del. Álvaro Obregón

Los grandes proyectos de infraestructura incorporan representaciones del futuro urbano y literalmente dan forman a las ciudades de las maneras más extremas en lo visual, social, financiero y político. A través de la destrucción necesaria para su conclusión conllevan un cambio a la vida de la ciudad que (re)fuerza ciertos estilos de vida mientras que hace a otros redundantes o imposibles. Estas estructuras también contienen la sombra de su propio fallecimiento. Las crisis ambientales y económicas contemporáneas inspiran imágenes apocalípticas así como imaginaciones de maneras radicalmente diversas de vivir y su organización espacial equivalente. Mientras que cada vez más gente se traslada a las ciudades, las prioridades hechas y las historias habladas del futuro de la vida urbana llegan a ser cada vez más importantes y complejas.

El proyecto de la autopista conocida como Supervía Sur-Poniente es una extensión de la existente, pero a menudo congestionada, gran red de calles y vialidades de la Ciudad de México. Es un proyecto de infraestructura altamente disputado que conectará a Santa Fe, una de las áreas más ricas en el suroeste de la ciudad, con el Anillo Periférico, cruzando dos áreas naturales protegidas y varios vecindarios o pueblos tradicionales que están en su camino. Su propósito es a solucionar los problemas de congestión en el área de Santa Fe, donde la gente hace cola en sus coches por horas al día, conduciendo a y desde las oficinas de esta relativamente reciente zona financiera global. Mientras que hay amplio acuerdo sobre los problemas de tráfico del área, residentes locales así como académicos, periodistas y activistas, protestan la carretera como una solución de corto plazo e ineficaz para cuestiones de tráfico, construida en pérdida financiera del sector público. También exacerbará los ya inmensos problemas ambientales de la ciudad y profundizará la desigualdad con respecto a movilidad, al acceso a un ambiente seguro y limpio, y la capacidad de sus habitantes por determinar las futuras prioridades y condiciones de donde viven. La vialidad será de peaje, excluyendo a los que no puedan costearla. Intensificará una condición de segregación en donde los ricos se aíslan de los pobres aunque atraviesen un espacio de la ciudad, evitando el transporte público y moviéndose de un enclave de alta seguridad a otro en coches y caminos que son inasequibles para el resto de la población.

Flesh and Concrete se llevará a cabo en un edificio en desuso con vista al emplazamiento de construcción de la Supervía donde se une con el Periférico Norponiente. La exposición estará abierta al público del 19 de abril al 17 de mayo de 2012, en horario: miércoles a viernes 3pm-8pm y sábado a domingo 12pm-3pm. Durante la misma tendrán lugar charlas y eventos especiales, que serán anunciados en: apexart.org y fleshandconcrete.net

La Institución redentora (The redeeming Institution)

Colaboración entre la Sala de Arte Público Siqueiros (SAPS) y Tate Modern (a través de su programa Level 2)

Acción de Cinthia Marcelle (día único) martes 17 de abril 2012 entre 19:00 y 21:45 horas. “Marco Zero”, 2007-2011

Martes 17 de abril a las 19:00 hrs hasta el  domingo 15 de julio.

Como parte de las colaboraciones que ambas instituciones han desarrollado en los últimos años con diversas instituciones; la SAPS y el Tate han compartido la experiencia curatorial de trabajar para dos museos disímiles en sus vocaciones, pero que encuentran un sentido común en el análisis de propuestas artísticas del continente americano. Partiendo de la histórica, pero cada día más frágil noción de arte latinoamericano, han sido seleccionados cuatro artistas provenientes de diversas circunstancias culturales a quienes une la capacidad de posicionarse frente a situaciones inestables sociales, económicas y culturales que definen sus prácticas artísticas y, al mismo tiempo, confrontan al museo con ciertas situaciones periféricas y marginales que están caracterizando la crisis de la sociedad post-industrial.

De forma paralela se exhibe en la Sala de Arte Público Siqueiros La Institución redentora (The redeeming Institution) y en el Level 2 del Tate Modern la muestra No Lone Zone; exposiciones que a partir de los trabajos de Cynthia Marcelle (Brasil), Teresa Margolles (México), Colectivo Tercerunquinto (México) y David Zink-Yi (Perú-Alemania), mueven las fronteras geopolíticas de lo “históricamente correcto” para acercarse a problemáticas límites de enfrentamiento que desplazan la calle hacia el museo como institución de poder. “No Lone Zone” se centra en diversos niveles de representación y documentación de las temáticas abordadas por los artistas, mientras la Sala de Arte Público Siqueiros trata de propiciar situaciones artísticas que rebasen el nivel de voyeur y comprometan al público con su participación.

Para el Colectivo Tercerunquinto las revueltas del verano del año 2011 en Londres, permitieron analizar cómo tras la crisis económica del mundo occidental se esconde una situación de diferencia socio-cultural que podría redefinir el papel de aquellas clases desplazadas del centro del poder en la sociedad clásica occidental pero, al mismo tiempo, cómo la aguda diferencia entre clases sociales en América Latina podrían terminar por colapsar en sistema socio-político imperante. La re-contextualización de la histórica frase del presidente Bill Clinton It’s the economy, stupid, permite a Tercerunquinto enfrentar al público con la noticia diaria. Teresa Margolles continúa tras la huella de aquellos asesinatos resultados de la violencia y se hace incisiva en su capacidad de desplazamiento a nivel global; no se trata de generar objetos a la usanza de la terminología de la historia del arte, sino de desplazar “contenedores” de dichas situaciones violentas. Cynthia Marcelle es quien tal vez genera un discurso directo ligado a un panorama crítico resultante de la actual crisis económica. Su trabajo se caracteriza por desarrollar situaciones ligadas directamente a la supervivencia: por un lado aquellas que generan violencia, por otro, nostalgia. Por último, David Zink Yi reacciona de forma aparentemente opuesta: se trata de un esfuerzo minucioso por lograr una excelencia técnica que apela a otro nivel de realidad; el artista peruano pareciera buscar un perfeccionamiento en el método que de la espalda nihilista a cualquier planteamiento activista. Zink Yi busca en las calles tradiciones no olvidadas, pero sí marginadas, y a través de ellas reconstruye las nociones culturales que caracterizaron el sentido moderno de lo nacional, desplazándose así hacia la esfera global.

Para la Sala de Arte Público Siqueiros, la colaboración con el Tate Modern ha sido crucial en el camino de desplazarse desde la noción histórica de Museo Nacional hacia la de un espacio que pretende complejizar las nociones de lo político y así acentuar su vocación de museo de sitio. Esta muestra ha sido curada en Londres por Iria Candela y en la ciudad de México por Taiyana Pimentel.

cassettezultan + UFOria! presentan:

SPRING BREAK 2012 LAS BRISAS + ÑAKA ÑAKA + VEGAN CANNIBAL
Invitado especial: OUi/Brontos (DJ entre sets)

SOMA, 13 DE ABRIL /// ENTRADA LIBRE

Modify, as Needed, MOCA, North Miami

Texto por la curadora Ruba Katrib

Natalia Ibáñez Lario habla de los mecanismos y máquinas inherentes en la creación y distribución del medio digital. Sus dos series fotográficas, Atmospheric Alienation and the Failed Attempt at Getting Rid of It y The Weary Traveller, The Angel of History and a Dry grey Veil, toman una aproximación similar en la captura de diferentes fenómenos.

Ambas series de imágenes fueron creadas con la cama del escaner vacía, la primera serie con escáneres vacíos encontrados en diferentes localizaciones de la ciudad de Nueva York; ningún documento es insertado en el escáner y sólo la cubierta interior del escáner fue copiada.Las imágenes resultantes son pictoricistas, coloridas, y abstractas pareciendoa primera vista trabajos abstractos que remiten a la pintura del Siglo XX.En una aproximación más cercana sin embargo, se hace evidente que las imágenes sólo capturan la tecnología en si misma. A través de jugar con la variación de las propiedades del escáner, Ibáñez Lario crea variaciones de color visibles en ambas series, pero en The Weary Traveller, the Angel of history and a Dry Grey Veil, las texturas, las marcas de borraduras, el polvo y otros elementos, graban la traza que deja la gente que ha usado estos escáneres a través de la ciudad. Las imágenes se vuelven retratos de los restos indéxicos de aquellos que han usado las máquinas.

Atmospheric Alienation and the Failed Attempt at Getting Rid of It, de una forma similar captura estas trazas de uso, así como el intento de los usuarios de limpiar el cristal del escáner. Este acto de borrar deja sus propias huellas y trazas, que son invisibles al escanear un documento pero visibles cuando el escaner se fotogarfía a sí mismo.

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Natalia Ibáñez Lario addresses the mechanisms and machines involved in the creation and distribution of digital media. Her two photographic series, Atmospheric Alienation and the Failed Attempt at Getting Rid of It and The Weary Traveller, The Angel of History and a Dry Grey Veil, take a similar approach to capturing different phenomena. Both series of images were created with empty flatbed scanners found at locations in New York City; no documents were inserted in the scanners and only the inside of the scanner covers were copied. The resulting images are painterly, colorful, and abstract, at first glance resembling abstract works related to painting in the twentieth century. On closer examination, however, it becomes obvious that the images only capture the technology itself. By playing with the scanner´s settings, Lario creates the variations of colors visible in both series, but in The Weary Traveller, The Angel of history and a Dry Grey Veil, the textures, smudges, dust, and other elements record the traces left by people who have used these scanners throughout the city. The images become portraits of the indexical remains of those who have used the machines. Atmospheric Alienation and the Failed Attempt at Getting Rid of It similarly captures these traces of use, as well as the users´attempts at cleaning the glass of the scanners. This act of erasure instead leaves its own imprints and traces, which are invisible when scanning a document but visible with the scanner photographs itself.

www.nataliaibanezlario.org

En el read more más imágenes del trabajo de Natalia Ibáñez Lario

CRISTINA OCHOA

DESDE EL 1 AL 30 DE ABRIL

SOMA PROJECT ROOM

CRISTINA OCHOA

FROM 1 TO 30 OF APRIL

5040 es una Instalación/acciǿn, que se desarrolla durante todo el mes de Abril en el Cuarto de Proyectos de SOMA.

Todos los días durante hora y media, Cristina toma hoja a hoja de un bloque de 5040 hojas blancas de papel Bond tamaño carta, hace una bola de papel y la dispara al punto rojo dibujado en el centro de la pared posterior del cuarto. Repetidamente una tras otra, 168 hojas, 168 bolas de papel, 168 oportunidades, cada día, durante 30 días. Contando mas desaciertos que aciertos, las bolas caen azarosamente acumulándose lentamente sobre el piso.

5040 is an Installation/Action, developed during the month of April in SOMA’s Project room.

Every day for one and a half hour, Cristina takes sheet by sheet from a Block of 5040 white bond paper sheets, A4 Size. Makes one paper ball and throw it in direction to the red point drawn in the centre of the posterior wall in the room.

Repeatedly one by one, 168 sheets, 168 paper balls, 168 opportunities, each day, for 30 days. Counting more mistakes than hits, the paper balls falls chaotically growing slowly on the floor.

El proyecto consiste en crear una pieza que se modifica durante el tiempo de exhibición. En el transcurso de un mes, la pieza se deshace cada semana para proponer una nueva pieza que utilice los restos de la anterior y haga referencia al mismo paisaje.

Abierto durante todo el mes, salvo los martes que el cuarto se cierra para modificarse. Todos los miércoles de SOMA a partir de las 20:00 hrs, el artista está en el cuarto para presentar la pieza y hablar del proceso. El autor de este proyecto es Isaac Contreras, integrante del PEC.

Más informes en http://alumnos47.org/

El equipo de la Biblioteca Móvil.

Los diseñadores de la Biblioteca Móvil: El despacho Productora. A47 Biblioteca móvil. Programa de actividades
Las actividades que componen el programa de la biblioteca móvil están planeadas en función de la sede que la albergará durante su recorrido por la Ciudad de México. De esta forma, la colección itinerante de libros de arte
contemporáneo irá acompañada del trabajo in situ de artistas, historiadores, performace y proyecciones de cine y video. Proyectos como Memoria y fotografía a cargo del colectivo Memoria Migrante y el Compendio de los saberes vividos, un esfuerzo de la segunda generación de Seminario de Medios Múltiples son ejemplos cómo se planea vincular al público con el acervo de la biblioteca.

En conjunto, se trata de un biblioteca activa que funciona sólo en colaboración de los proyectos que hacen posible su programación. La biblioteca móvil de la fundación Alumnos47 será un programa permanente de extensión de su bibliotecaria de su sede fija, proyecto aún en gestación.

Broken Borders es la más reciente exposición donde participa la artista Teresa Margolles junto a otros artistas mexicanos como Jorge Malacón, Rosa María Robles y Marcos Ramírez Erre. Esta exhibición que se muestra paralelamente en las galerías Satellite y Access de Vancouver, habla acerca de la violencia que se ha vivido últimamente en la frontera mexicana del norte en relación al narcotráfico.  Adriana Estrada Centelles, curadora de esta exposición explica: “Nada se mencionaba de la guerra contra el narco,(en Canadá) a mí me interesaba actualizar esos discursos y decidí hablar de lo que sucedía con la guerra contra el narcotráfico y la relación con Norteamérica, es decir entre Canadá, Estados Unidos y México”.

Sobre los cuatro artistas que conforman esta exposición, la curadora menciona: “Los cuatro se salen de esa forma de hablar del problema y parten de otro espacio que ellos mismos fueron generando. Los cuatro tienen una vivencia más cercana con el problema y a partir de esta cercanía es que comenzaron insertando un poco la censura, para no hablar del problema tan directo y generar otro lenguaje en el arte” Este trabajo se decidió hacer en un recorrido de ocho cuadras para verla completa justo en una de las zonas de la ciudad con mayores problemas de drogadicción, un problema de salud directamente relacionado con el crimen organizado.

Esta exposición estará hasta el 28 de Abril. Para más información visiten: http://accessgallery.ca/all/events/broken-borders/

Taller de música electrónica

Por Bostich + Fussible, del Colectivo Nortec.

Ramón Bostich (Tijuana, 1962) y Pepe Mogt (Ciudad Obregón, 1969) son fundadores del Colectivo Nortec. Su trabajo como compositores y productores de música electrónica suma alrededor de 50 compilaciones y ha sido alabado por medios internacionales como CNN, TIME Magazine, Newsweek y el New York Times. Han sido nominados tres veces nominado a los premios internacionales Grammy y participado en los principales festivales de música en los cinco continentes (WOMAD en Nueva Zelanda, Australia e Inlgaterra, Mutek en Canada y el SONAR, en Barcelona, entre muchos otros). Nortec es el fenómeno musical con mayor mención en Internet y ha generado más de 10 millones de visitas en las redes sociales.

Bostich y Fussible impartirán un taller práctico en SOMA que abarcará el uso de sintetizadores análogos, así como nuevas tecnologías (Tenori-On, ReacTable, Monome, entre otras interfaces). Se discutirá el uso de controladores MIDI y producción en Abbleton Live, en el contexto histórico de la música electrónica para, finalmente, hacer una práctica de fusión de géneros y disciplinas artísticas, justo como lo ha hecho el Colectivo Nortec.

CURSO INTENSIVO DE DOS DIAS

Horarios : 9 am a 1 pm / 2 pm a 5 pm

Duración: del 21 al 22 de Marzo

Cuota de recuperación: $2,000 + iva.

50% DE DESCUENTO CON CREDENCIAL DE ESTUDIANTE

En colaboración con el Museo de Arte de Lima, el MUAC realiza la primera retrospectiva sobre el artista peruano Fernando Bryce. A partir de un método el cual el mismo artista denominó “análisis mimético”, Bryce ha desarrollado a partod e documentos oficiales, imágenes de prensa, propaganda política o anuncios de publicidad su trabajo el cual revisa las relaciones de poder y su mediatización en el siglo XX. Mediante un discurso irónico, Bryce utiliza la re-presentación de objetos para poner en evidencia prejuicios o situaciones que pasamos normalmente por alto en discursos oficiales.

Durante sus años de trabajo entre Berlín y Lima, el artista trata de apegarse lo más que puede a la representación mediática local, su historia y su contexto. En esta exposición se muestran diferentes obras entre las cuales se incluyen Cronologías (1997-1998) la cual perfila un interés hacia la producción de obras que basan sus sentidos a partir de la acumulación. Museo Hawai (1999), una vitrina convertida en gabinete de curiosidades en medios impresos y  Atlas Perú (2000-2001), serie de cerca de quinientos dibujos que narran una historia visual del Perú del siglo XX.

Dibujando la historia moderna se encuentra en exhibición desde el 3 de Marzo y estará hasta el 3 de Junio del presente año en el MUAC.

Para ver mas imágenes del trabajo de Bryce

Eduardo Abaroa inauguró su mas reciente exposición, ‘Destrucción total del museo de antropología’ el sábado pasado en la galería kurimanzutto. Esta pieza, que duró dos años en su investigación, prentende plantear un enfoque crítico sobre la institución museística en general, sobre la institución museística antropológica y sobre la concepción del Estado acerca de los grupos étnicos representados en este recinto.

A través de planos detallados para la demolición del museo,ruinas de lo que podría ser una sala y piezas prehispánicas rotas Abaroa hace un llamado a reconsiderar como espacios tan solemnes glorifican culturas que el Estado se ha dedicado a ignorar en la práctica social. En este mismo tema el artista genera el discurso en cuestión hacia el arte contemporáneo y el trato de temas sociales e interesantes para la comunidad.

Abraham Cruzvillegas, amigo y colega artísta de Eduardo lo describe de la siguiente manera:

“Eduardo Abaroa es un artista cuyo trabajo rebosa de metáforas y otras figuras, enriquecidas por un vocabulario diverso y complejo -técnica y conceptualmente-, cuyos formatos se trascienden a sí mismos en giros hacia campos diversos, ahora apuntan a la ingeniería destructiva. Abaroa se ha propuesto la demolición total del Museo Nacional de Antropología de la ciudad de México, gesto que aparece como un reto demasiado espinoso en términos simbólicos, casi en un exceso que rebasa cualquiera otra propuesta de demolición, por sus implicaciones políticas y económicas.”

Destrucción total del museo de antropología estará del 3 al 31 de Marzo en la galería kurimanzutto y estará abierta al público los días martes a jueves de 11:00 am a 6:00 pm y viernes y sábado de 11:00 am a 4:00 pm

El trabajo artístico del brasileño Bruno Faria se desarrolla en diferentes medios tales como dibujo, fotografía, audio e instalación. Su obra se centra en hacer una crítica sobre la forma en que el hombre vive un lugar a través de la memoria, la arquitectura y el arte.

Actualmente forma parte del programa de residencias de SOMA y desarrolla un proyecto cuyo objetivo es crear un personaje-periodista enviado de Brasil a la ciudad de México para realizar la edición especial de una revista de viajes. Sin embargo, la línea editorial de la publicación no se enfocará en el turismo estándar e ideal, sino que describirá, con su mirada extranjera, las cuestiones culturales que causan controversia en el país. A través de un personaje ficticio, Faria hace un análisis sobre la visión construida del turismo en México.

Bruno Faria se encuentra cursando una maestría en poética visual en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Federal de Minas Gerais, Brasil.

Pobre Artista Rico

Curaduría: Willy Kautz

Artistas: Eduardo Abaroa, Artemio, Erick Beltrán, Karmelo Bermejo, Christian Jankowski, Gabriel de la Mora, Jorge Satorre, Melanie Smith, Sofía Táboas

Con base en la parábola que esboza Adolf Loos en Poor Little Rich Man, al victimizar al burgués acaudalado en su gusto por la acumulación de mercancías de uso, esta exposición investiga la formación de los valores simbólicos. A partir de un sistema de intercambio entre objetos de arte y mercancías, este proyecto analiza la especulación financiera por medio de la trasmutación de valores sociales que entreteje el sentido estético. La propuesta radica en un juego de trueque “pre-capitalista”, una vez que las reglas de transacción del valor no se subsumen a la economía de mercado, sino a la noción de valor simbólico. En ese sentido, tal como lo explica el antropólogo Marcel Mauss con su tesis sobre el intercambio de regalos en las culturas primitivas: “el motivo para la decisión de regalar por parte de un individuo debe residir exclusivamente en la naturaleza interior de ese individuo: en su carácter, magnánimo o avaro.” 1 En el sistema de intercambio de “dones” que explica Mauss como un regulador de prestaciones total, o bien,- universal-, circulan no sólo mercancías, sino también favores, almuerzos festivos, rituales, danzas, entre otras cosas que no se inscriben al tabulador de valor de cambio de la mercancía fetiche. Por otra parte, este acercamiento a los valores también se puede entender como “economización de lo romántico”, si aceptamos que incluye el “interior” de las cosas, esto es, un despliegue de afectos humanos, de acuerdo a la tesis de Mauss. La paradoja que la exposición enmarca inscribe una alegoría semejante a la “espada de Damocles”: ¿Será que para todo bien desinteresado se configura, al mismo tiempo, su contraparte, puesto que toda ensoñación romántica resulta radicalmente “des-romantizada” al incluir el dominio de lo económico? ¿Será que toda acción desinteresada aporta al sujeto fama, prestigio social y admiración y, con ello, una posición social de poder? Desde esta óptica, la instauración del mercado de lo estético se refiere a un conjunto de afectaciones de lo simbólico, en un juego de subjetividades que pugnan por discernir su significado a través de un juego impreciso entre escalas de valor en el contexto de la imposibilidad de una equivalencia de cambio.

De acuerdo a lo anterior, este proyecto inscribe un modelo de transacciones de trueque desde la economía estética, en el que la galería de arte deviene una tipología híbrida entre el mercado, los escaparates de diseño, la oferta oral de la subasta y el display de arte contemporáneo. Este sistema de intercambio propone designar a cada artista la misma cantidad económica para la producción de sus piezas, mismasque se ofertarán en las galerías de Casa del Lago, a cambio de una mercancía o un don no artístico. Cada vez que una transacción se cierre por medio de la negociación entre artista y beneficiario, el objeto o bien intercambiado suplantará a la pieza en la exposición. Una vez concluido el proyecto, cada artista decidirá qué hacer con los recursos remanentes, procedimiento de disipación de valor que se anexará a una publicación en formato de libro de ensayo.

FUENTE: Casa del Lago

Los invitamos a asistir, la entrada es libre.

Plática con Bruno Faria

El trabajo artístico del brasileño Bruno Faria se desarrolla en diferentes medios tales como dibujo, fotografía, audio e instalación. Su obra se centra en hacer una crítica sobre la forma en que el hombre vive un lugar a través de la memoria, la arquitectura y el arte.

Actualmente forma parte del programa de residencias de SOMA y desarrolla un proyecto cuyo objetivo es crear un personaje-periodista enviado de Brasil a la ciudad de México para realizar la edición especial de una revista de viajes. Sin embargo, la línea editorial de la publicación no se enfocará en el turismo estándar e ideal, sino que describirá, con su mirada extranjera, las cuestiones culturales que causan controversia en el país. A través de un personaje ficticio, Faria hace un análisis sobre la visión construida del turismo en México.

Bruno Faria se encuentra cursando una maestría en poética visual en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Federal de Minas Gerais, Brasil.

Iván Krassoievitch es miembro del PEC de SOMA.

Durante muchos años la historia de la cultura occidental fue concebida como una conversación que ocurría a lo largo de las décadas: artistas, intelectuales y científicos producían obras y cuestionamientos que iban generando diálogos de distinto tenor interpersonal, entre el susurro y el griterío. Un momento de la historia cultural puede efectivamente ser concebido como una charla en la que un grupo de interlocutores comparte un vocabulario y unas temáticas; a veces, esta conversación adquiere una fecha y un lugar: es el caso de la famosa Western Roundtable on Modern Art de agosto de 1949, de la que participaron Marcel Duchamp, Frank Lloyd Wright y Arnold Schoenberg, entre otros; o bien la Conferencia de Solvay de 1911, donde se reunieron científicos como Lorentz, Poincaré y Einstein. A veces, son las mismas obras las que desde remotos puntos del planeta entran en contacto casi sin quererlo. También la historia del arte de un país puede parangonarse con una charla que se extiende en el tiempo, con informaciones y puntos de vista que alternativamente se dejan de lado y se recuperan (ver, por ejemplo, discusiones como la de la reapropiación periférica del arte de los países centrales: algo parecido a una discusión de pareja centenaria). Hoy en día, esta noción de la historia como conversación enfrenta un doble desafío: por un lado, la conversación está saturada. A imagen y semejanza de los mercados financieros y las tecnologías de la información, el arte y la cultura se han convertido en redes inconmensurables que se desbordan a sí mismas desde todos los puntos, sin que nadie pueda tener una mirada global de la situación. Por el otro lado, y como consecuencia de ello, la conversación contemporánea es amnésica por definición. La multiplicación exponencial de las voces va de la mano con un rango de atención cada vez más corto. Como ocurría en los foros de Internet de hace unos años, el arte termina pareciéndose a un diálogo entre charlistas sin memoria que a cada rato vuelven a preguntarse su nombre, su edad y su lugar de residencia. Fuera de esa situación discursiva, de esta gigantesca charla (llámese sociedad de la información, esfera pública o arte contemporáneo) sólo hay silencio y desconexión. Más allá del barullo de información incontrolable que circula a través de ferias, bienales y otras plataformas de la cultura, la historia va depositándose en restos sin sentido, como pedazos de una fotografía hecha papel picado en la que la información resulta irrecuperable.

La posibilidad de traducir este estado irregular y frenético de la conversación a un principio de exhibición es uno de los ejes de la muestra de Guillermo Faivovich, Pinturas y Fotografías. En la galería Mite y en una de las paredes de la librería Purr (ambas situadas en el ya inefable Patio del Liceo), Faivovich dispuso dos argumentos contradictorios y complementarios para diagnosticar la historia del arte local como una conversación cuyos detritus son irreconocibles. La muestra comienza por una serie de impresiones fotográficas de las tapas de la colección Pintores Argentinos del Siglo XX del Centro Editor de América Latina, prolijamente enmarcadas y dispuestas en una grilla en la pared lateral de la librería. El legendario proyecto de organizar la información relativa al arte local en fascículos coleccionables de tirada masiva y de aspecto homogéneo se ve reforzado por el carácter standard de la apropiación de Faivovich: tomas de estudio frontales sobre fondo blanco, convenientemente enmarcadas, organizadas en una grilla. En el panel de yeso de una galería, una feria o una bienal, el trabajo podría pasar por un ejemplo más en lo relativo al debate sobre el apropiacionismo: un comentario marginal en una charla cosmopolita y ya larga en la que han intervenido decenas de artistas y teóricos, desde Richard Prince y Hal Foster en adelante. En la librería de arte más recurrida de la ciudad, el efecto es bien distinto. Al momento de la inauguración era posible sentarse frente a una de las mesas de la librería y hojear libros de artistas internacionales consagrados como Liam Gillick y Wade Guyton. En una palabra, libros actuales, que es lo que uno espera encontrarse en una librería de arte contemporáneo: libros sobre aquellos artistas que definen el estado de la conversación o el estado del arte como conversación (es decir, lo que ineludiblemente tenés que saber si participás de una cena o una reunión con artistas en cualquier lugar del mundo). Pero en las fotos de Faivovich aparecían aquellos que no forman parte: los aislados, los olvidados, esos artistas demasiado viejos o demasiado locales como Policastro, Cogorno, Ari Brizzy y muchos otros, presentes en un canon obviamente discutible (pictórico, nacionalista, masculino…) como el que ofrecía el proyecto del CEAL. Si la recuperación de estos nombres en un formato tan vehementemente canonizado y actual como el de la imagen apropiada serialmente ya puede generar cierta preocupación, su vecindad en la librería con títulos como 50 artistas contemporáneos que se deben conocer es, por decirlo así, intrínsecamente angustiante. Y exista o no justicia poética en la comparación de lo que estamos dispuestos a recordar con aquello que fácilmente se reconoce como olvidable, lo que la pieza deja entrever es cierta obligatoriedad de la entropía: lo ineludible hoy es pasto para el olvido, un señuelo para la erosión tan tentador como una línea trazada en la arena. Reconociendo el sistema del arte como una situación discursiva en la que circula información estandarizada y en permanente actualización, Faivovich proyecta, en las imágenes de esos libros que hoy se obtienen en mesas de saldo, una suerte de vanitas compuesta de apellidos: aquellos que hoy vale la pena conocer ya son, en potencia, fósiles de los que la historia va a olvidarse pronto. En una cultura tan pendiente de su propia actualidad como la contemporánea, ¿puede sugerirse algo parecido sin una importante dosis de humor negro? Entregarles una declaración de obsolescencia anticipada a los visitantes de una exposición requiere de una actitud simultáneamente neutra e ingenua. Lo contrario llevaría al terreno inmune del chiste buscado. Requiere también de cierta valentía; cierta capacidad de darle la bienvenida al desastre. Si Faivovich puede ser muy discursivo a pesar de prescindir de esas largas declaraciones típicas de los proyectos artísticos pretendidamente inteligentes, también puede ser muy afable en su manera de acercarnos a conclusiones desesperantes y, como un buen aguafiestas, dejarnos sin nada que celebrar, con una copa de vino en la mano.

En la segunda parte de la muestra, la contraparte de las fotografías, esta actitud de cierta frialdad empática con el cataclismo alcanza un desarrollo simétrico y aun mayor. En la pared lateral de la galería (ubicada en el segundo piso del Patio), Faivovich dispuso de seis pinturas de artistas situados al borde del anonimato, aunque puedan haber tenido prestigio en vida (uno de ellos, incluso, fue el representante argentino en una edición de la bienal de Venecia). La instalación de los cuadros es enfáticamente irregular; sus universos son incompatibles entre sí. No son exactamente obras centrales; de hecho, en su mayor parte proceden de livings de amigos y familiares. (Faivovich dirá que la historiografía “nunca llega al living”.) No hay ningún señalamiento, ninguna información, nada que reúna a las imágenes por fuera de la colgada azarosa, impropia y juguetona. Con una exhibición en dos partes simétricas, que en algún punto recuerda ciertas obras de Simon Starling, Faivovich parece decir qué ocurre con aquellos artistas que han caído fuera del círculo de la conversación, utilizando otro tipo de argumento apropiacionista: si las fotos de cubiertas en la librería proponen dos estados de la información, el de la actualidad y la obsolescencia, las pinturas prestadas parecen haber atravesado definitivamente el proceso de erosión de la información. El efecto es particular por lo caprichoso y distante; las pinturas, imágenes absolutamente desprovistas de contexto que se imprimen en la retina como la luz de estrellas muy lejanas y ya apagadas, forman algo así como lo contrario de una constelación: una figura carente de sentido cuyos vértices son seis definiciones posibles de lo que en algún momento (estimativamente, entre mediados y fines del siglo pasado) era considerado arte. Hoy, esas definiciones parecen palabras sueltas de un diálogo irremediablemente perdido; y el artista arqueólogo que deambula entre ellas con jovialidad parece dispuesto a decirnos que nuestras propias conversaciones, nuestras definiciones y nuestro “ahora” tan estridente y mundano no es más que un conjunto potencial de inscripciones indescifrables.

Charla con Jean Pierre Rehm (Director del FidMarseille y crítico de Arte/Cine) y Cristian Manzutto acerca de la película, VIERNES 24 DE FEBRERO, 8PM.

“LOS DIAS DE ESTA SOCIEDAD SON CONTADOS” Es la primera sección del documental de Rirkrit Tiravanija. Lung Neaw Visits His Neighbours, esta frase crea un momento de ambigüedad entre la desaparición inminente del idilio rural que se desarrolla en la pantalla y el típico consumismo insustentable de algunos espectadores de las salas de cine. O tal ves de los dos…

Esto ocurre a través de la edición en tiempo real, usando frecuentemente tomas fijas y sonido ambiental, como pájaros e insectos, que generan una tendencia a permitir que las cosas duren lo que tengan que durar. Pero también a través diarias de Lung Neaw, que son precibidas como infinítamente extrañas y exóticas, y tan ajenas del típico día laboral occidental que casi parecen un viaje inverso en el tiempo hacia una existencia paralela o a un tipo de estado pos apocalíptico.

La quietud típica de la naturaleza tailandesa parece invadir la sala de cine; en lugar de 4’33 (John Cage) son dos horas y media de silencio. Un retraso radical de velocidad que llega al nivel de una anti película como Hurlments en faveur de Sade (Guy Debord) o Chelsea Girls (Andy Warhol). Como espectador estás muy consciente de estar sentado en un cine viendo la película y de alguna manera esto se convierte en parte de la experiencia fílmica que acontece la pantalla.

La división en partes estructura la película pero también añade la sensación de que trata no solo de lo que vemos en pantalla. Por ejemplo ¿Qué es una buena vida? ¿Dónde está y para quién está disponible? ¿Es individual o muy universal? ¿Y explotación de nuestros alrededores conlleva?  A través del tiempo en que acompañamos a Lung Neaw obviamente logramos conocerlo mejor, pero de alguna forma también permanece igualmente distante. La simplicidad de comer con las manos o sentarse sobre el suelo, arrancar de un arbusto cercano los condimentos para la comida, o beber directamente de un arroyo son un tipo de “lujos” a los que no debería ser difícil acceder. Sin embargo, en este instante del mundo, solo son posibles para unas cuantas personas en un lugar muy lejano.

Karl Homqvist

Plática con Claudio Iglesias

Si el arte contemporáneo se entendiera aritméticamente; el curador sería la tangente que comprende las piezas como vértice; para relacionarlas, contextualizarlas, y entenderlas en múltiples planos discursivos.
Claudio Iglesias (Buenos Aires, 1982) es crítico y curador, coeditor de Mama Lince, fanzine de crítica experimental que busca explorar y promover manifestaciones culturales desconocidas.
Es asesor del Nuevo Museo Energía de Arte Contemporáneo desde su fundación y forma parte del colectivo editorial Actividad de Uso. Escribe sobre arte y sus ensayos han aparecido en revistas como ramona, otra parte y A*Desk. También editó y tradujo una Antología del decadentismo francés, 1880-1900 (Caja Negra Editora, 2007) y obtuvo la Beca para Multiplicadores Culturales del Goethe Institut.

Actualmente forma parte del programa de residencias en SOMA.

Ilán Lieberman conocido como la ‘Fotocopiadora Humana’ se adjudica este sobrenombre gracias a que por mucho tiempo se dedicó a reproducir copias idénticas a base de dibujos de objetos encontrado en la calle como recortes de periódicos, fotografías, etc. Con esta técnica realizó su trabajo para la exposición Niño Perdido, en donde mostraba 100 fotografías de niños desaparecidos de entre 1 y 17 años. .

Para realizar este minucioso trabajo, el artista requirió el uso de instrumentos de precisión como lupas y microscopios. De esta manera, las imágenes imperfectas se convierten en modelos de imágenes perfectas, y la insuficiencia con que se trata el caso de cada niño se convierte en el más extremado cuidado. Selecciona con mucho cuidado los rostros ahí publicados, algunas expresiones que le interesen, ya sean ojos, la forma del rostro o de la boca, algo con lo que él se sienta una cierta conexión.

Aquí un video en donde el artista presenta su pieza en la Fundación Príncipe Claus de Ámsterdam.

Ayer se inauguró en el Carrillo Gil, la exposición El incesante ciclo entre idea y acción un proyecto del Museo y la Fundación BBVA. Esta propuesta busca apoyar a artistas jóvenes y emergentes con propuestas nuevas y poco convencionales, dispuestos a revolucionar el sentido del arte.  Gustavo Lara, director de la Fundación BBVA Bancomer mencionó que en su institución busca apoyar este tipo de proyectos pues están conscientes que el arte contemporáneo genera conocimiento.

Para este año hubo 189 respuestas a la convocatoria que se realizó y de ahí seleccionaron a las 10 mejores y que contemplaban un trabajo multidisciplinario.

“Estamos apostando por estos jóvenes talentos como lo hicimos en su momento con Carlos Amorales y Francis Alÿs, quienes ya son artistas reconocidos internacionalmente. Esa es una de las características que tiene la fundación, apostar por propuestas innovadoras, por la joven creación. Tenemos toda la intención de invertir en ellos, porque sabemos que en México hay un enorme talento”. Dijo Gabriela Velásquez, directora de Fomento Cultural de la Fundación BBVA.

El incesante ciclo entre idea y acción reúne a los artistas Óscar Cueto, Gilberto Esparza, Diana María González, Fritzia Irízar, José Jiménez Ortiz, Begoña Morales (Quién es integrante del PEC de SOMA), Naomi Rincón Gallardo, Idaid Rodríguez, Jaime Ruiz Otis e Isaac Torres

Esta exposición es curada por Carmen Cebreros y coordinada por Andrea Paasch, y se encontrará puesta hasta el 13 de Mayo del 2012. Les recomendamos que la visiten y conozcan estas propuestas de las nuevas generaciones en el arte contemporáneo mexicano.

El museo se encuentra ubicado en :Av. Revolución 1608, esquina Altavista, Col. San Angel.

Plática con Ilán Lieberman

¿De manera general de que tratará la presentación que vas a dar este miércoles en SOMA?

Voy a hablar un poco de mi trabajo y hacia donde esté enfocado. Así mismo de como se las arregla un discurso y en algunos casos de proyectos e intervenciones o piezas que he hecho en diferentes lugares.

¿Cómo empezó o hubo algún detonador en tu vida que despertara tu interés por la relación entre el individuo y la naturaleza?

Si un poco, creo que como todos los procesos son cosas que se van sumando. Es un desarrollo también de mi pensamiento y de quien soy y hacia donde estoy tratando de ir; hacia donde me está llevando la vida. Siento que viendo para atrás hay como una lógica, aunque fue muy instintivo todo el proceso. Yo venia mucho de hacer gráfica, museografía y fotografía y sobretodo lo último en fotografía era sobre como siempre hay una frontera entre lo real y lo artificial. Constantemente estamos tratando de imitar lo real. Es como una necesidad por imitar o hacer una referencia a lo natural.

Después hay como una etapa en que yo hago una pausa para reflexionar hacia donde estaba yendo y pues ver otras opciones; probar que otros panoramas puedes abarcar. Paré un momento la línea que llevaba, me tomé casi un año sabático. Me quería desconectar de todas las referencias de mi trabajo. Es cuando me voy a Japón cuatro meses, ahí estoy básicamente caminando en parques naturales, fue totalmente instintivo, quería un lugar que fuera muy distinto a lo que estaba haciendo. Pienso que Japón es de los lugares más distintos o raros. Se me hace que hay algo que es muy cotidiano pero también hay algo que es muy complejo. La cultura Japonesa está llena de códigos que son capas y capas a descifrar. Siempre he tenido una curiosidad muy grande por lo Japonés.

Me fui a hacer estas caminatas y empecé a descubrir una cultura que tiene una relación con la naturaleza muy determinada y muy importante para todo su pensamiento. Es decir, mucha de su filosofía, su religión y su manera de ver el mundo es através de contemplar a la naturaleza. Me llevó por ese lado y estuve trabajando en una granja de un artista debuto como dos meses siguiendo esta línea de “quiero probar cosas diferentes”. Por supuesto no sabia nada ni de danza ni de teatro pero bueno caí ahí y entonce empecé a hacer un trabajo muy físico, al mismo tiempo que cultivar plantas y vegetales. Esto me movió mucho y comencé a querer explorar mucho más en como yo me relacionaba con el exterior, pero como un humano frente a otro tipo de naturaleza; había algo muy natural entre las dos cosas.

Porque tenemos esta visión de el hombre frente a la naturaleza como si nosotros fuéramos sintéticos, como que parece muy tonto y muy obvio pero realmente yo creé todo un discurso de que “el hombre se sigue poniendo como el centro del universo y aparte del resto del cosmos”. Tuve este contacto y después seguí viajando un año y medio. También fue como una búsqueda personal, una investigación de hacia donde me quería dirigir, fue muy intenso. Fue como cambiar tus referencias, cambiar tus códigos. Además te das cuenta de que hay otro planeta que no tiene nada que ver con tus referencias. De repente las cosas que parecían más importantes ahí no tienen nada que ver con lo que pasa acá. Entonces mee sirvió mucho para revalorar, abrir posibilidades.

Regresando a México podía haber seguido en lo que estaba, pero yo quería seguir con las plantas y empecé a hacer jardines. Empiezo a establecer relación con arquitectos. Mi papá es arquitecto y estaba muy familiarizado. Comienzo a hacer jardines con arquitectos y es ahí cuando observo mucho más cómo el hombre resuelve su conflicto con el exterior. Pues la arquitectura está pensada y hecha para que funcione para el hombre. De pronto el arquitecto tiene que poner eso en un mundo exterior donde le va a dar el sol , la lluvia, tiene que pasar algo entre la arquitectura y el exterior. Empiezo a traducir los discursos de obras de arquitectos en el exterior y como se relaciona una cosa con la otra. Me gusta mucho y todo el trabajo con jardines tienen totalmente otra referencia de miles de cosas. El tiempo de un jardín cuando tu acabas apenas está empezando y tu estás nada más indicando o proponiendo ciertas cosas y después los jardines toman su propio camino. Hay muchísimas cosas que pasan en medio. Cuando regresas a ver un jardín es como ver una persona que hace 10 años que no ves. No sabes con quien te vas a encontrar. Es muy bonito esta formación autodidacta, porque vas aprendiendo lo que vas necesitando.

Creo que si hubiera tenido una formación de paisajista, no hubiera llegado al mismo lugar. Me interesaba investigar y ver hacia donde quería ir. Mi trabajo tiene que ver mucho con cómo se relaciona el hombre con el exterior. Creo que a demás es una cuestión que ha marcado la cultura desde las cuevas prehistóricas hasta los últimos discursos ecologistas. Si tú ves todas las culturas, todas las religiones, toda la filosofía tienen que ver de alguna forma con cómo resuelves tu relación con lo no humano. Esto tiene que ver con Japón , por ejemplo, el día que florecían las plantas, salía todo el mundo a verlo. De repente dices ¡qué locura! ¡qué intensidad! Hago como alrededor de 30 a 40 jardines, aprendiendo mucho.

Colaboré con otros artistas, en algunos jardines , porque todo mundo quería participar. Itala Schmelz, me invita para un proyecto para la fachada de la SAPS , es el primer proyecto que hago más personal, con un discurso más allá de lo funcional. Para mí un jardín es como un laboratorio ya que ahí probé y aprendí cosas muy personales.

¿Has desarrollada múltiples intervenciones vegetales en espacios públicos y privados donde se ha logrado una interacción personal entre el individuo y la naturaleza, cuales han sido tus observaciones más significativas?

Por ejemplo la bola Pink. A mí me gusta mucho jugar con la escala, nosotros percibimos el mundo desde nuestra escala, pero esto no quiere decir que el mundo no sea de otra forma en otras escalas. Entonces depende donde te coloque es como percibes el mundo. Creo también que el trabajo aparte amplía tu conciencia como ser humano de muchas cosas. El arte es lo que busca, ampliar tu consciencia y darte un panorama mas grande de lo que te rodea. En este proyecto en específico, lo que más me gusta es lo que no pensaba que iba a suceder. Yo propongo una situación pero lo que me interesa es justo crear la situación y observarla. Yo coloco ciertas piezas en la mesa y luego pongo al público como otra parte. Si no hubiera público no funcionaría; no estaría completo.

Aquí en México la gente metía la cabeza y la olía. Luego la llevamos al castillo de Arte contemporáneo de Varsovia y era curioso que niños y mujeres se acercaban y los hombres para nada. Es decir, no tenían claro de como se podían relacionar con las flores. Sí te hace pensar muchas cosas y muchos códigos y significados diferentes que tienen las cosas. Para mí es muy gratificante porque en realidad la pieza sigue construyéndose a medida que se relaciona con las cosas. Otra parte que no es muy evidente, es como se relaciona la institución con la pieza cuando la tiene. Es diferente una pieza que es determinada y ya se acabó, a algo que ellos tienen que estar involucrados y que la pieza depende de ellos. Se empiezan a establecer vínculos impresionantes. La pieza empieza a crecer hacia muchas dimensiones y el echo de que esté en un espacio público, permite otro tipo de relación que no se lo permitiría en un museo.

Hablemos sobre tu nuevo proyecto “Un Jardín Vecindario”.

¿Porqué elegiste Tepito para realizar este proyecto y cual es el objetivo principal?

Es un proyecto que originalmente la idea surge en Barcelona. Era un proyecto para un museo alrededor del centro de Barcelona, donde el espacio exterior de la gente eran balcones muy chiquitos y que todos esos balcones con plantas formaban un jardín. El proyecto queda un poco como esbozado y se lo platico a sir Cruz, una artista curadora que está haciendo este proyecto que se llama Obstinado Tepito. Le platiqué un poco y me sugirió hacerlo en Tepito. Se me hace bastante increíble hacer un jardín público que se comparta entre los vecinos en Tepito y más ahora en una vecindad.

Tiene que ver mucho en cómo se organiza la gente de un barrio y cómo comparten y deciden el espacio público como un espacio que los representa y tiene un significado propio. Tepito es de los barrios con más identidad, viven el espacio público y la calle como si fuera de ellos. Primero iba a ser en una plaza y luego surge la posibilidad de hacerlo en una vecindad; que entonces todavía más habla más de cómo la gente se relaciona con el espacio público, el espacio exterior y como puede hacerlo suyo. Es un espacio que se construye entre mucha gente y puede reconstruirlo cada vez que quieran. Entonces ya empezamos el jardín vecindario y está súper interesante.

¿Aparte de la dinámica que se va a llevar a cabo entre el público y las plantas, la obra tiene alguna forma en específico?

Es una espiral, que en este caso si es importante que tuviera una forma para que se dieran cuenta de que estaban construyendo algo. Y después el piso donde están las macetas va a estar marcado con números que permite que esté el jardín textualmente presente. Está la posibilidad de que exista el jardín de otra forma. Primero las macetas con los números y luego el patio con los números. El jardín sigue existiendo pero está separado, existe porque las plantas están distribuidas por la vecindad. En Barcelona era muy obvio decir que el jardín público se construye con los balcones, aunque lo cuide cada quien. También se trata de cuestionar qué es lo publico y qué es lo privado. El hecho de que estés en un área que fue determinada como privada no quiere decir que no la puedas ver.

¿Alguna de tus obras maneja un discurso ecológico?

A mí lo que me interesa es crear una relación personal y sentimental con mi obra del espectador, nunca mi intención ha sido dar un discurso masivo o global de algún punto de vista que yo tenga. No pretendo decirle a la gente lo que está bien o lo que está mal. Creo que hay discursos sobre ecología que son súper importantes y los respeto mucho, pero también hay mucho sobre ecología que es una basura. Se me hace un discurso que se debería de cuestionar mucho más y que en cierto punto cuando empieza a ser demasiado moralista me parece como un nuevo cristianismo: el bien , el mal, la culpa y el Apocalipsis. También es un rollo como muy egoísta de que el hombre es el salvador del universo y no es cierto. Hay que aprender a tener una relación sana, a disfrutar y a tratar de tener un contacto mucho mas real con la naturaleza. Por eso prefiero no agarrar la bandera de ecologista. Creo que la gente que está haciendo un trabajo profundo sobre ecología merece el respeto. En mi caso, Igual alguien ve mis obras y odia la naturaleza, a mi me interesa cualquier tipo de relación; se me hace enriquecedora.

¿Tienes pensado algún otro proyecto?

Ahorita tengo un proyecto que se llama “Allá afuera”, que lo empecé a hacer con Gonzalo Ortega y ahorita ya lo terminé con Guillermo Santamarina. Son 6 ediciones que hacen un archivo de imágenes e invita a artistas a darnos una imagen que ellos consideren interesante de cómo el hombre se relaciona con el exterior. Pero va desde lo más bucólico y apasionante hasta pues el miedo o la indiferencia o muchas otras posibilidades. Es una edición que son 18 postales como forma biombo; hay arquitectos, artes plásticos, fotógrafos, etc. Cada uno escogió una imagen que le parece interesante de cómo se establece la relación. Creo que esto me parece mucho más rico, que decir que todo es totalmente increíble. Una parte claro que lo es , pero es interesante ver las diferentes formas de relacionarse con el exterior.

¿Existe un motivo específico de las figuras que tienen tus obras?

Hay otra lectura de mi obra que es con la herramienta que uso mucho que es la geometría. Casi todas las piezas tienen algo determinado geométricamente. Yo creo que la geometría es como hemos sintetizado a la naturaleza. Esa síntesis que se hace e hace volverla a colocar como un trabajo minimalista. Simplificando y minimizando las formas para entenderlas como tales. Que esas formas son las que construyen todo. Entonces volverlas a poner en lo barroco y lo saturado de la información que tiene la naturaleza es algo que me interesaba de ese contraste que hemos hecho al utilizar y construir estos elementos geométricos al ponerlos sobre la naturaleza. La cantidad de información que hay en un bosque si pones puntos o pones cuadrados hablando de un nivel más racional.

Plática con Jerónimo Hagerman

Su obra se ha desarrollado en torno al análisis de la relación que se da entre el sujeto y lo exterior, poniendo énfasis en como se generan los vínculos emocionales entre el individuo y la naturaleza. Sus piezas han abarcado algunos aspectos de los mitos modernos de la civilización frente a lo silvestre, entre los cuales están la domesticación, el paisaje como valor estético y la problemática ubicación de lo humano frente a la naturaleza en contraposición al humano como parte de la naturaleza.

Lleva más de 10 años investigando las distintas variables en la relación con el territorio exterior, el paisaje, y específicamente el jardín como plataforma doméstica de la naturaleza. Actualmente desarrolla intervenciones vegetales en espacios públicos y privados, donde el espectador encuentra un espacio para analizar y reflexionar las diferencias entre la dimensión humana y el mundo vegetal.

Aquí pueden encontrar mas sobre su trabajo jeronimohagerman.com

DEEP SPIRITUAL SHIT

Segunda entrega de

Viernes 3 de febrero en SOMA 8:00 pm.

¿Qué es una revista?

En su forma,

Un conjunto de hojas impresas y encuadernadas para ser leídas.

Un conjunto de hojas impresas y encuadernadas para ser leídas que tiene determinada periodicidad.

Las hojas impresas contienen textos y contienen imágenes.

Una revista es un objeto, entonces.

Pero la revista también es un oráculo. Es una fuente de consejo, de predicción, un artefacto profético, adivinatorio, controlado por el editor.

El editor es un medium. El canal de comunicación entre la información contenida en las hojas impresas y encuadernadas para ser leídas y el lector.

La revista también es la última resistencia moderna, un espacio en el que la soledad se revela en reflexión, en pensamiento crítico, en la certeza de que uno existe y entiende o desconoce las cosas, la certeza de saber que uno es un genio o es un asno.

Las hojas impresas que contienen textos y que contienen imágnes nos devuelven nuestro reflejo, el eco de nuestras ideas.

La primera revista conocida data del peleolítico, es la cueva de Altamira en Cantabria.

La revista es un caldo de cultivo, ahí se generan, con mayor o menor fortuna, escritores, críticos, fotógrafos, y artistas.

La revista es un tirano terrible. Tiene el poder para decidir quién es la mujer más bella del mundo, quién es el hombre más rico del mundo, qué es arte, quién es realmente un escritor, quién está comprometido políticamente.

Bikini Wax presenta este próximo 28 de enero “La fiesta se acabó” de Cristóbal Gracia.

“El desmadre se acaba” me dijo Tony al día siguiente de una fiesta. Y me lo dijo porque una amiga había hecho una pendejada, algo que a todos los que presenciamos el acto nos sacó de pedo y nos dejó con el Jesús en la boca. “¿Y luego qué?” me preguntó. Yo no supe qué responder.

En las buenas fiestas pasa todo lo divertido y lo incómodo. Hay música, alcohol, drogas, sexo, peleas. Lo que todos sabemos y esperamos: desmadre.

A Cristóbal Gracia le gusta la fiesta como a todos nosotros pero la imagen que ronda en su cabeza desde hace tiempo es la del fin de las fiestas. Asiste a las fiestas para que se terminen. Es como aquel que va al cine no para ver una película sino para escuchar la música de los créditos.

Gracia ha tomado registro del día siguiente de las fiestas a las que ha asistido. Algunos de estos registros parecen fotografías de desastres naturales, algunas otras escenas de crimen: no hay vida, solamente cenizas de fogata.

“¿Y luego qué?” ahora bien podría responder “colillas en el piso”.

En esta ocasión Bikini Wax será la sede del funeral de una fiesta, cualquier fiesta, y todos están invitados.

Pablo Vargas Lugo forma parte del consejo de artistas de SOMA y este jueves inaugura su mas reciente exposición en el Museo El Eco. El trabajo de este artista mexicano utiliza elementos multidisciplinarios como la astronomía, la cartografía o la arqueología. Su obra está compuesta de  dibujos, esculturas, pinturas e instalaciones,los cuales desarrollan juegos visuales referentes al lenguaje, juega con los sistemas de medición y se ve influenciado de tradiciones milenarias.

Aquí les dejamos una entrevista que Magnolia de la Garza le hace a Pablo Vargas Lugo durante la inauguración de Historis Odius su exposición en LABOR durante el 2011.

Never Odd or Even

Un proyecto de Mariana Castillo Deball

Con contribuciones de Mario Bellatin, Koen Brams, Abraham Cruzvillegas, Santiago da Silva, Tim Etchells, Carla Faesler, Dario Gamboni, Dora García, Moosje Goosen, Alejandro Jodorowsky y Pascale Montandon, Irene Kopelman, Adriana Lara, Pablo León de la Barra, Jesse Lerner, Juana Lomeli, Valeria Luiselli, Raimundas Malašauskas, Antoni Muntadas, Sophie Nys, Manuel Raeder, Eran Schaerf y Eva Meyer, Sergio Taborda, Heriberto Yépez

Presentación en SOMA

con Daniel Saldaña, Maia Fernández y Mariana Castillo Deball

jueves 26 de enero, 8:30pm

Never Odd or Even es una antología de 30 portadas de libros inexistentes. El volumen II de este proyecto incluye 30 títulos en una misma publicación. Acompáñanos en este viaje literario a través de diferentes temas que incluyen: memorias inéditas, manifestaciones tropicales, intragenealogía, el porqué la letra E está pordoquier, el sabor de la verdad, el aroma de la existencia, ruinas contemporáneas, conversaciones entre un cardenal y un tapacaminos, ¡y muchos más!

El proyecto tiene una segunda etapa, en la que el contenido de los títulos se expande en una serie de eventos, donde escritores, artistas y académicos son invitados a comentar uno de los títulos de la colección. Cada invitado tiene la libertad de inventar el posible contenido de una portada. A través de estos eventos, se va construyendo una colección de comentarios, críticas y posible contenido de la serie. En esta ocasión Never Odd or Even se presenta en SOMA, en la CIudad de México, con la participación de Daniel Saldaña y Maia Fernández, presentando diferentes títulos de la colección.

El objetivo de Never odd or Even es desarrollar proyectos en colaboración en los que la distribución es parte central del proceso, como una manera de ocupar e invadir contextos distintos. En cada proyecto, múltiples y diversos objetos funcionan como catalizadores, lo importante es como se diseminan y generan territorios.

Publicado por BOM DIA BOA TARDE BOA NOITE, en el contexto de la exhibición Never Odd or Even en el Grimmuseum, Berlin y el Museum of Contemporary Art, Roskilde. Curada por Solvej Helweg Ovesen y co-producida por el Grimmuseum, Berlin.

Galería Massimo Audiello se complace en anunciar CROSS POINT, una exposición colectiva de Daniel Monroy Cuevas, Rupert Goldsworthy, Cristóbal García y Cristina Ochoa.

La exposición se inaugura el jueves 19 de enero del 2012 y estará hasta el viernes 16 de marzo, 2012. La inauguración y recepción de bienvenida será el jueves 19 de enero de 6 a 8 p.m.

CROSS POINT establece un lugar de encuentro de cuatro experiencias artísticas diferentes creando un diálogo de confrontación entre voces y puntos de vistas independientes.

La práctica artística del mexicano Daniel Monroy Cuevas ha sido fundamentalmente a base de dibujos, video e instalaciones. Su interés principal es probar los límites (físicos y virtuales) de estos medios, con el objetivo de generar nuevas experiencias estéticas que puedan desencadenar una particular consciencia emocional, mental y espacial. En esta exposición presenta una instalación de dibujos al carbón blanco sobre papel de lija. Como E una reflexión formal sobre dos texturas diferentes—lo agresivo del papel de lija en contraste con la suavidad del carbón blanco—la instalación crea una sutil combinación de poesía, forma y texturas.

La obra del artista y crítico Rupert Goldsworthy cuestiona la relación entre la representación mediática del contenido subversivo con su verdadera relevancia histórica, política y social. Su obra generalmente trata temas como el terrorismo, la sexualidad, los derechos de las minorías, el racismo, los cultos, la criminalidad psicótica y el extremismo político. Al catalogar logotipos que representan a estos grupos, nos hace confrontar la versión glamorosa del contenido dramático, reflejando así la relación ambigua de los medios en cuanto a estos temas.

Cristóbal García, nacido en Mexico D.F., produce esculturas multimedia y collages repletos de exuberancia adolescente. El sonido de la música hip-hop parece envolver su obra y los colores y las composiciones reflejan una sensibilidad inmersa en el caos cotidiano de la Ciudad de México. Lo que podría ser una sobredosis existencial se transforma en un estrepitoso carnaval en el cual explotan la forma y el carácter así como las mentes, con la esperanza de que la experiencia extrema se convierta en un especie de exorcismo o de obliteración pop. Donde Warhol valoraba los medios, Garcia valora su caos.

La obra de la artista colombiana Cristina Ochoa incluye esculturas, instalaciones, dibujos y video. Trabaja con objetos encontrados y con una variedad de materiales que por lo general tienen una calidad intrínsecamente poética. Sus instalaciones de vidrios rotos, papeles transparentes o de luz crean situaciones de estados suspendidos donde el estrés y las incertidumbres parecen estar congelados en el espacio, un acto de malabarismo en el cual el orden y el caos logran confrontarse.

G a l e r i a M a s s i m o A u d i e l l o

Calle Queretaro N.116 C

Colonia Roma

06700

Mexico, DF

Mexico

Tel.59136390

cell.044-5537156567

EMAIL: audiello@msn.com

WEBSITE: www.galeriamassimoaudiello.com

CROSS POINT

Estados Unidos Mexicanos

—Yo sería un perfecto

soltero de la patria,

pero se necesita

compromiso,

fidelidad a uno

sin reservas,

un amor solitario

que se oponga

al deseo civil

de los conscriptos

(lamer botas, decirle

que sí a mi general

y darle veinte abajo,

levantarse

a las cinco, sin moros

en la costa,

con la huella de un sueño

que no tuvo

cómplices de catre).

—Se pide mucho

en un lugar tan fértil

donde todo se da

en charola de plata:

aguacates y plátanos,

dulces de leche bronca,

chiles y cabezas

de jóvenes bautistas.

—Mi general, me toca

servirle a mi país

su par de huevos.

Viene con hambre y quiere

que alcance para todos.

Pero, si me permite,

¿no sería

mejor traerlos puestos?

Para servir nos falta

soledad, vocación

de ahorro, transparencia.

Y sabido es que somos

despilfarro, pólvora

quemada en infiernitos,

raza de bronce

volado de campanas.

(Mire nomás:

estoy aquí, diciéndole

sus cosas

cuando yo debería

estarle dando veinte

en un rincón,

creciéndome al castigo.)

—Se necesitan huevos

para comer a solas

cuando éstas pueden ser

las últimas gallinas

del pollero,

el bautizo final,

la caminera.

—Yo lo sería,

pero me llama el Ángel,

la selección, el triunfo

y el origen

de mi especie;

me llaman funerales

donde no cabe un alma.

Yo, que fui

abanderado en lunes,

que ordenaba los pasos

redoblados,

no sé dejarlo todo,

abandonar la escolta

y estar de autoservicio;

ponerme el delantal,

la camiseta sucia,

lavarme bien las manos

tras devolverle el cambio

a mi país.

—Pero antes que me cuadre,

que me ponga

la X en la frente

y salgamos vestidos

al deber,

a agarrar a esos perros

que se montan,

mi general,

démonos un gustito.

¿Los prefiere revueltos

o estrellados?

Este poema forma parte de Realidad & Deseo Producciones, un breve libro que Hernán publicará a fines de este año en Bonobos.

Hernán Bravo Varela nació en la ciudad de México en 1979. Ha publicado tres libros de poemas: Oficios de ciega pertenencia (1999; 2ª. edición, 2004), Comunión (2002) y Sobrenaturaleza (2010, Pre-Textos, España), así como dos volúmenes ensayísticos: Los orillados (2008) e Historia de mi hígado y otros ensayos (2011). En 2002, junto con Ernesto Lumbreras, realizó la muestra crítica El manantial latente. Poesía mexicana desde el ahora (1986-2002). Entre otros autores, ha traducido dos títulos de Oscar Wilde: Espejos de bolsillo. Aforismos selectos (2010) y La balada de la cárcel de Reading (2010, prólogo de José Emilio Pacheco), además de Sepelio en Tebas, de Seamus Heaney, que será publicado este año en México y España. En 1999 obtuvo el Premio Nacional de Poesía Joven “Elías Nandino” y en 2010 el Certamen Internacional de Literatura “Letras del Bicentenario – Sor Juana Inés de la Cruz”, en el área de ensayo literario. Algunos de sus poemas han sido traducidos al inglés, francés, alemán y chino. Ha sido becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y de la Fundación para las Letras Mexicanas. Actualmente se desempeña como profesor del Programa de Escritura Creativa de la Universidad del Claustro de Sor Juana.

A través de Teresa Margolles una de nuestras colaboradoras en SOMA se presenta en la Sala Gamboa del Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México.

Para lograr esta pieza, Teresa recorrió distintas ciudades del país como Culiacán, Navolato, Ciudad Juárez, Querétaro y la Ciudad de México. Ahí repartió 150 camisetas a jóvenes para que las utilizaran cotidianamente y las sudaran. Después de esto el sudor fue aplicado, de manera sistemática, metódica y precisa ­–a manera de autopsia- en los cristales de la sala. Esto con la intención de plasmar la energía de los jóvenes a través de este flujo corporal. El espacio vacío representa este simbolísmo no solo de la intervención del cristal sino al vacío dejado por los jóvenes muertos.

Teresa Margolles a lo largo de su carrera ha trabajado con fluidos corporales principalmente de cadáveres, aunque en esta pieza decide trabajar con el de los vivos. La artista hace un llamado de atención hacia la violencia que se vive en México y hacia como ésta afecta principalmente a la juventud, uno de los sectores mas vulnerables a esta situación. Las cifras revelan  –de acuerdo a un estudio de la Comisión de Seguridad Pública de la Cámara de Diputados- en los últimos seis años más de 23 mil jóvenes han sido reclutados por las organizaciones criminales. Se estima también que un tercio de los muertos vinculados con la lucha contra el crimen organizado tenía menos de 30 años.

Pueden visitar la expo de martes a domingo de 10:15 a 17:30 hrs. Admisión: $25.

Plática con Tedi López Mills y Hernán Bravo Varela

Tedi López Mills (Ciudad de México, 1959) estudió filosofía en la UNAM y letras en La Sorbona. Es traductora, ensayista ocasional y editora. De 1994 a 1999 se desempeñó como jefa de redacción de La Gaceta del Fondo de Cultura Económica. Fue becaria del FONCA en 1994 y en 1998 obtuvo la primera Beca Octavio Paz de Poesía, con la cual escribió gran parte del libro Horas.

Ha publicado los poemarios Cinco estaciones (Toledo, 1989), Un lugar ajeno (El Equilibrista, 1991), Segunda persona (Margen de Poesía-UAM, Premio Nacional de Literatura Efraín Huerta, 1994) y Glosas (Taller Martín Pescador, 1998).

Hernán Bravo Varela (Cd. de México, 1979) ha traducido a diversos poetas en lengua inglesa (William Shakespeare, Emily Dickinson, Gerard Manley Hopkins, Oscar Wilde, e. e. cummings, William Carlos Williams, Charles Bukowski…) y ha publicado dos libros de poemas:Oficios de ciega pertenencia (1999, Premio Nacional de Poesía Joven Elías Nandino; 2ª. edición, 2004) y Comunión (2002). Junto con Ernesto Lumbreras realizó la muestra crítica El manantial latente. Poesía mexicana desde el ahora: (1986-2002) (2002).

Fue becario del programa Jóvenes Creadores del FONCA, en el área de poesía (2004-2005) y también lo ha sido de la Fundación para las Letras Mexicanas, en el área de ensayo (2005-2007). Su temprana y sorpresiva incapacidad para escribir poemas lo ha llevado —industriosamente, por cierto— al ensayo literario. Fue letrista de la banda sonora de la película Frida (2002), ganadora del Óscar, y es virtual vocalista de Acetona, una orquesta de jazz. Pretende volver a jugar tenis con frecuencia.

Amy Gartrell

Patterson Beckwith

Patterson Beckwith vive y trabaja en Nueva York. Beckwith trabaja dentro de un marco basado en la investigación y producción de obras de arte utilizando la fotografía, la escultura, texto, sonido y vídeo. Su trabajo fotográfico editorial ha aparecido en Artforum, púrpura, Índice, Vicepresidente, y las revistas Tokion. Beckwith fue miembro fundador del grupo Art Club 2000.

CHRIS SHARP

Plática con
Patterson Beckwith y Amy Gartrell

Patterson Beckwith vive y trabaja en Nueva York. Beckwith trabaja dentro de un marco basado en la investigación y producción de obras de arte utilizando la fotografía, la escultura, texto, sonido y vídeo. Su trabajo fotográfico editorial ha aparecido en Artforum, púrpura, Índice, Vicepresidente, y las revistas Tokion. Beckwith fue miembro fundador del grupo Art Club 2000.

(Amy Gartrell. Vive y trabaja en Nueva York, Es una artista cuyo trabajo se desarrolla con diversos materiales. El uso de distintos medios es un sello distintivo de su práctica, a partir del aerógrafo a la cerámica, el vidrio con plomo y collage. Influenciada por una gran variedad de producciones culturalessu trabajo desarrolla temas como la cultura pop, la psicología, y los diversos movimientos culturales siglo 20 y el diseño.

4 sesiones de cuatro horas cada una // Horarios: Lunes y Miércoles de 5-9 pm
Duración: 23 de enero al 1 de febrero, 2012
Cupo limitado a 30 participantes: Abierto a artistas plásticos, radio artistas, músicos, poetas y cualquier persona
interesada en la creación de obras sonoras relacionadas con la escultura, la instalación, la difusión radiofónica, la poesía sonora, etc.
Cuota de recuperación: $1,500.00 iva incluido
Podemos definir el término arte sonoro como toda expresión artística interdisciplinaria que utiliza el sonido como vía principal de expresión, esto es: la instalación sonora, la escultura sonora, la poesía sonora, las acciones o performances que utilizan el sonido como manifestación principal, obras intermedia cuyo componente más importante es el sonido, etc.

El taller de arte sonoro se llevará a cabo durante cuatro días, cuatro horas cada día. Las primeras dos horas serán destinadas a conferencias relacionadas con el arte sonoro, mientras que las dos horas subsiguientes serán destinadas a las tareas prácticas.

TEMARIO

1.- Conjuntar las distintas disciplinas artísticas a través del sonido como elemento unificador, y encontrar puntos de correspondencia y de convergencia para obtener una visión interdisciplinaria del arte contemporáneo actual a través de la expresión sonora. Ilustrar por medio de varias conferencias el origen de las distintas manifestaciones del arte sonoro, ejemplificando con fotografías,
video, audio y textos..

2.- La realización de obras sonoras de manera individual o colectiva cuyo resultado será una grabación editada, una acción o performance en los que el sonido sea el elemento principal, la realización del proyecto de una escultura sonora o de una instalación sonora (cuya ejecución dependerá de los medios disponibles), etc.
Se realizarán también una serie de ejercicios sonoros prácticos como por ejemplo:
Realizar una escucha del paisaje sonoro aledaño al lugar en el que se lleva a cabo el taller.
Trabajar con discos de vinil rayándolos, cortándolos, etc.
Intervenir juguetes u otros aparatos electrónicos.
Objetos que vibran.
Circuit bending.
Interpretar una obra abierta de Christian Wolf.
Interpretar Radio Music de John Cage.

Por María Minera

Ni hablar: apreciar las obras del pasado es una manera –lenta, si se quiere, pero imparable– de ponerlas en peligro, como bien nos enseñó el acelerado proceso de deterioro que se echó andar en el momento en que nuestros ojos se posaron por primera vez en las pinturas de las cuevas de Lascaux. El simple hecho de entrar en contacto con ellas, y ya no digamos intentar protegerlas, o, todavía peor, restaurarlas, supone un acto de paradójico alejamiento, pues la cercanía no puede sino volverlas otra cosa (en el mejor de los casos, parecida a la que era pero nunca la misma). Pero no nos queda de otra: ahí donde sea que estén, estaremos nosotros, resguardándolas, porque sabemos que de otro modo también las perderíamos, y mucho antes que si no lo hiciéramos. Pensemos, por ejemplo, en el caso del célebre teatro La Fenice, vuelto cenizas por segunda vez en su historia, después de un incendio a todas luces provocado en 1996. Para nadie era siquiera discutible la posibilidad de reconstruir, o no, el teatro: La Fenice debía estar ahí, como siempre, en la Plaza de San Fantin. Y así fue que un ejército de artesanos se dio a la tarea de reedificar, pieza por pieza –¡y en lanchas!– el gran teatro veneciano. Lo mismo ocurrió con El Liceo de Barcelona, que hubo de ser igualmente vuelto a poner en pie, “tal y como era”.

Nuestros queridos monumentos corren, pues, todo tipo de riesgos. Pero ¿qué pasa cuando a la propia institución que debería garantizar la preservación de cierto legado se le pasa la mano intentando justamente preservarlo? Aparentemente, no mucho. Este mes se cumple finalmente un año completo desde que las puertas de la sala de espectáculos del Palacio de Bellas Artes se abrieran después de una larga y costosa “rehabilitación” (rarísima elección: ¿acaso antes no era habitable?), de la que, al minuto, ya podían verse sus fallas. De nuevo: las acciones de conservación necesariamente perturban el sentido original de aquello que se busca conservar. Un mal necesario, si se lo quiere ver así (quizá por eso las iglesias parecen estar eternamente envueltas en andamios). “La restauración es imposible”, decía el historiador inglés Francis Pelgrave en 1847, “se puede repetir la apariencia (aunque rara vez con minuciosa exactitud), pero nunca los materiales, la mano de obra… hay anacronismo en cada piedra”. No se deja de tener, pues, la sensación de que se está ante una farsa. Pero hay de farsas a farsas. Hace unas semanas los diarios publicaron la noticia de la reapertura del Bolshói, donde hubo de todo –es Rusia–: corrupción, despidos, plazos incumplidos, pero sobre todo hubo algo que llamó especialmente mi atención: trabajo artesanal. Por poner un ejemplo: se utilizaron más de cinco kilos de hoja de oro para devolver el aspecto original a la ornamentación de los interiores, empleando una técnica antigua que involucra una mezcla de grasa de ballena, claras de huevo y arcilla, a la cual se le aplica más adelante una capa de vodka con pincel de cola de ardilla. Como es claro, la restauración tuvo un costo de más de 700 millones de dólares. En las labores del Palacio de Bellas Artes, tristemente, se cambió la mano artesanal por las máquinas de un grupo de inexpertos expertos: arquitectos en su mayoría, que hasta donde se sabe poco conocimiento tenían de lo que verdaderamente implicaba restaurar (esto es, regresar al estado anterior) un teatro de las características del Palacio. Y tal vez por eso, terminados los trabajos, Philippe Amand, el entonces principal asesor de las labores de rehabilitación, se vio obligado a hacer unas desafortunadas declaraciones[1], donde aseveró que “hasta los aviones se caen, no podemos pensar que las cosas son infalibles”.

Hay que decir que efectivamente la sala necesitaba una revisión de fondo, ya que, a decir del diagnóstico que entonces preparó la UNAM, “las instalaciones eran inseguras y los equipos que se encontraban en uso eran obsoletos e ineficaces para cumplir con las exigencias de una sala de espectáculos moderna”. Así fue que se decidió cambiar la maquinaria teatral y los sistemas de iluminación y sonido. Además de ello, el INBA contempló “la instalación de un sistema contra incendios automatizado, moderno y eficiente y la construcción de nuevas salidas de emergencia para el foso de orquesta. Los cambios también fueron pensados para mejorar la acústica, visibilidad y comodidad de los espectadores”. Cambios, desde luego, a los que solo un loco se opondría. Lo que sucedió, no obstante, fue que ya entrados en obra, y en gastos, el INBA decidió también intervenir el aspecto general de la sala, uno de los tesoros del Art Decó mexicano. No voy a repetir aquí lo que los periódicos se han encargado de difundir con todo detalle, solo los invito a pasearse por la sala del Palacio y observar: la butaquería (con unos recargabrazos de aluminio que literalmente duelen), los palcos (a los que se despojó del mármol y herrería originales, los cuales fueron sustituidos por una chapa de nogal, completamente fuera de época), las puertas (incomprensiblemente cambiadas por unas modernas), el lobby (que ahora parece el lobby de un hotel), el piso de la platea (¡amarillo!), la platea misma (ahora escalonada), en fin: los invito a simplemente mirar a su alrededor. Y a oír, a través de las 500 bocinas con las que se intentó reparar el daño que con la remodelación se hizo a la acústica del diseño original.

Me temo que muy opacas han sido las explicaciones del INBA acerca de cómo pasó de querer poner al día las entrañas del teatro a considerar también obsoleto el estilo en que fue creado el Palacio. Cómo dio pues el paso de otorgarle un valor de antigüedad a este espacio arquitectónico a tenerlo simplemente por viejo y por tanto susceptible de modificación profunda. Lo que se alteró aquí se llama de un solo modo: espíritu del lugar[2] (tantas veces desdeñado: ¿qué hace, por ejemplo, en la explanada del mismo sitio una estatua de Madero junto los pegasos de Agustín Querol y Subirats?). Sí, eso –tan difícil de definir y al mismo tiempo tan evidente– es lo que se hizo a un lado; eso que te hacía entrar a la sala y suspirar, siempre. Como lo dijo la directora del INBA, Teresa Vicencio: “hay quien prefiere tener un museo y decir no toquemos nada, que se queden las cosas como estaban”. En realidad, lo que hay es quien prefiere hacer valer, como decía Ortega y Gasset, su derecho a la continuidad. Hay, aunque a Vicencio le parezca descabellado, quien prefiere, en efecto, conservar los tesoros del pasado tal y como son (¡pinceles de cola de ardilla, ¿dónde están?!) a verlos convertidos en “teatros de Broadway”, término con el que ella, cabe suponer, apunta a lo más que puede aspirarse… whatever that means. Lo cual inevitablemente me recuerda la anécdota[3] del alcalde de Lyon, Francia, que en la conferencia de prensa del recién reabierto teatro de la ópera de la ciudad, renovado por el arquitecto nunca mejor llamado Jean Nouvel (“nouvel” tiene el sentido de nuevo en francés), tuvo a bien acuñar la expresión “preservación destructiva” para hablar de este nuevo edificio, hecho precisamente con las piedras del anterior: “una obra verdaderamente original de arquitectura contemporánea, la nueva Ópera magnifica el pasado al haberlo limpiado de todo lo viejo”. A veces, se ve, preservar puede implicar una completa destrucción. Y la pregunta aquí no puede entonces ser otra que ¿quién es el dueño del pasado? ¿El INBA? ¿Sus funcionarios? O, quizá, ¿en palabras de la Convención de la Haya de 1956, la humanidad entera?

Ante las críticas, el INBA aceptó formar una comisión de expertos que revisaran el caso. Y hace apenas unos meses, esta comisión, seleccionada por el INBA, que nuevamente se erigió en juez y parte, en un acto más de opacidad, dictaminó que “la rehabilitación integral ha supuesto un grado de modificación que no compromete las condiciones de autenticidad e integridad del inmueble. En términos generales se mantiene el principio de reversibilidad en las acciones”. Recordemos que las obras tuvieron un costo de ¡690 millones de pesos! ¿De qué reversibilidad hablan? ¿Dónde están los mármoles y los espejos y las lámparas y las esculturas y los elementos decorativos y todo que le daba encanto a la sala del Palacio? Nadie sabe. Ni importa, porque según Gustavo Araoz, presidente del ICOMOS, se ha “procedido bien”, aunque en realidad, “la única manera de medir el impacto de cualquier acción en un sitio de patrimonio cultural es saber dónde es que descansan los valores. Hace falta medir si los cambios que se han tomado afectan de una manera significativa los atributos históricos. Sin la definición de esos atributos es muy difícil”. Cómo: ¿a estas alturas se van a definir los atributos del teatro del Palacio de Bellas Artes? ¿Sin importar que hace casi un cuarto de siglo la UNESCO lo declaró patrimonio de la humanidad, precisamente por sus muy únicos atributos (lo cual implica un consenso acerca de cuáles serían estos)? ¿Y no se supone que las obras que constituyen el legado del mundo incorporan valores eternos y relevantes para el conjunto de la humanidad, y negarlos es casi por tanto como ofender a todos los hombres? Qué peligro: solo cuando los atributos no resultan obvios es cuando se puede echar a andar un proceso de destrucción que puede pasar por simple indiferencia (como casi siempre) o, ay, por fiebre de remodelación. Y digo con Steinbeck: “¿cómo sabremos que somos nosotros sin nuestro pasado?”.

[2] Término por cierto planteado en la Declaración de Quebec, de 2008, por el Comité Internacional de Monumentos y Sitios (ICOMOS), organismo cuya oficina mexicana fue el primero en denunciar los abusos cometidos durante la llamada “rehabilitación” del Palacio.

[3] Que cuenta el historiador Dario Gamboni en su libro The Destruction of Art, Reaktion Books, London, 1997, p. 331.

La superficie de la tierra y los productos de la mente pueden desintegrarse y dispersasen regiones especificas del arte[…] nuestra mente y tierra están en un constante estado de erosión; los ríos mentales desgastan las orillas abstractas, las ondas cerebrales socavan riscos de pensamiento, las ideas se descomponen y crean piedras de inconsciencia y las cristalizaciones conceptuales se segmentan en depósitos arenosos dela razón[…]aunque su movimiento parece inmóvil, aplasta la lógica de los glaciares[…] el cuerpo entero es empujado hasta sedimentos cerebrales, donde fragmentos y partículas se establecen como la conciencia solida.Robert Smithson, A sedimentation of the mind.

La propuesta es crear una instalación participativa con la comunidad de tiendas, vecinos y trabajadores de las calles colindantes a La Galería de Comercio. Con la idea de unificar información, masificación de la misma, memoria y residuos de la comunicación/publicidad propongo llevar a cabo una instalación en la Calle Comercio.Desde el 24 de Octubre hasta el 24 de Noviembre me dedique a pedir la colaboración a los comerciantes de las calles Comercio y Martí para recolectar la publicidad que todas las tiendas generan o reciben. Estuve yendo dos días por semana, a veces tres, en donde iba recorriendo las calles con mi carrito, preguntando, charlando con los vecinos y comerciantes para poder llevar a cabo un tapete en el cruce de la calle con toda esa acumulación de información que se produjo, finalmente convertido en residuo y sedimento. El tapete, resultado de todo el proceso, de búsqueda, colaboración, ayuda y desencuentros se colocara en la Galería de Comercio el 9 de Diciembre desde las 12 a.m

La Galería de Comercio

Aquí una pequeña muestra de la plática con Milena Bonilla en nuestro pasado Miércoles de SOMA

Siete editoriales amigas y cómplices nos reuniremos este fin de año para celebrar la edición independiente con libros, mezcal, música y descuentos de locura. Alias, Tumbona Ediciones, Sexto Piso, Mantarraya, Moho, Auieo y Sur+ (aquí convocadas bajo el nombre provisional y festivo de Las Siete Magníficas) queremos ofrecer una posada como punto de encuentro, venta directa y convivencia entre editores y un público cada vez más interesado en propuestas editoriales alternativas.

Libros sobre arte y de artistas, flipbooks o cine de dedo, narrativa, ensayo, poesía, aforismos, escritores nacionales y extranjeros, literatura underground, libros inclasificables, son algunas de las propuestas que se podrán encontrar a lo largo de varias horas de celebración. Los editores melómanos la harán de Djs ¡y habrá piñata libresca!

Invitamos al público en general (y a nuestros lectores más fieles) este jueves 8 de diciembre de 8pm a 2am a conocer nuestros proyectos editoriales, comprar libros como regalos de navidad, completar sus colecciones y aprovechar nuestra venta de saldos y promociones especiales. También podrán encontrarse y conversar con los editores y algunos de nuestros autores.

¡Ven y busca aquí los libros que ya no encuentras en ninguna parte! ¡Y a precios sorprendentes para sobrellevar la crisis de la economía global!

www.aliaseditorial.com

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sextopiso.com/mex

El proyecto se encuentra dividido en dos instancias: El Capital / Lo siniestro escrito con destreza y El Capital / Manuscrito Siniestro.

El Capital / Lo siniestro escrito con destreza son tres lienzos de 4 x 1.5 m. en los cuales aparece escrito el contenido de la versión pirata del capital (vol. 1) en español.

El Capital / Manuscrito siniestro consiste en realizar el ejercicio de escritura con la mano izquierda -por una persona diestra. Para esta parte del proyecto se decidió hacer una edición de tres libros cuyos prólogos son lo único legible del texto. La primera edición es de 500 libros para ser comercializados en librerías y espacios de arte, el segundo es una versión de lujo para coleccionistas en una edición de 10 y el tercero es una versión pirata que se distribuye gratuitamente en espacios callejeros. La última edición se ha repartido en espacios callejeros en Bogotá y La Habana.

Los prólogos son apropiaciones de dos textos -extractos- escritos por el mismo Marx, uno, una carta enviada a Engels (1867) en la cual Marx propone enviar un texto anónimo con una crítica parcialmente negativa de su libro a un diario de la oposición en Bavaria, el otro es Notas sobre la reciente instrucción prusiana relativa a la censura de 1842. El primer extracto es usado para el prólogo del libro de lujo, el segundo para las versiones populares.

Para mas información sobre el trabajo de Milena: milenabonilla.info

QUE EL MAR TE PERDONE.

Claudia Cisneros.

Bikini Wax.

23/11/2011

 Bikini Wax alojó, el pasado veintiséis de noviembre, la exposición QUE EL MAR TE PERDONE de la artista visual Claudia Cisneros (integrante del PEC de SOMA).

El trabajo que Cisneros presentó para Bikini Wax consistió en una instalación, muebles cubiertos por sábanas blancas, complementada por dos pistas de audio, la primera un sonido ambiental grabado por Industrias Kaltex y, la segunda, la enumeración por la artista misma de los 9090 días que consigna al mar (sus mismos días vividos hasta ese momento).

El título de la exposición proviene de un poema escrito por el poeta Enrique Carlos (hermano de la artista). Este poema, parte de la instalación, fue ‘cantado’, cual letanía religiosa, por el poeta con la ayuda de algunos de los asistentes: “Que el mar te perdone. / Que la tierra te entregue / y que el mar te perdone […].”

Para Cisneros (Guadalajara, 1986)  los muebles con sábanas representan un espacio de la memoria al que, no obstante la certeza de su existencia, es imposible acceder, aunque sí posible invocar. Se invoca la presencia de esos ‘lugares’ (¿islas convertidas en recuerdos olvidados, en fantasmas inasibles?) con la letanía, con la enumeración de los días (¿convertidos solo en números, en tiempo pasado?), se invoca con un ambiente artificial creado exclusivamente para dicha acción; con una imagen, casi escondida, que devuelve a lo figurativo, al recuerdo de algo; se invoca  para hacer que se manifieste un ‘lugar’, su presencia latente. Este ritual, muy suyo y con el mar de fondo como elemento simbólico (¿del movimiento perpetuo, de la inmensidad de la memoria?), parece querer conjurar al olvido al hacerlo presente, evidente, y quién sabe hasta qué punto deseable, conjurar pues al olvido como un enemigo de la memoria.

Ernesto Rodríguez

John C. Welchman habla acerca de The Pirate Project de Paul McCarthy. Mañana estará en SOMA hablando nuevamente sobre este proyecto.

Lovecraft se inauguró el pasado 24 de noviembre en el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo de la ciudad de Oaxaca. Esta exposición es el resultado de la residencia artística que hicieron en el Centro de las Artes de San Agustín, Carlos Amorales y Rosana Schoijett. La exposición incluye collages, retratos de siluetas y rayogramas.

Rayogramas | Carlos Amorales
El proyecto inició con la preproducción, por parte de Carlos Amorales , de cerca de 400 imágenes obtenidas de archivos fotográficos, que fueron trabajadas digitalmente y convertidas en siluetas de cartón y acrílico por medio de una cortadora laser. En el cuarto obscuro del CaSa, Amorales trabajó junto con Lorena Alcaraz poniendo en contacto las figuras de cartón y acrílico con papel fotográfico de base de fibra para obtener ampliaciones únicas con un gran contenido de personajes y rangos tonales. Para el revelado de las copias se utilizaron fórmulas ecológicas generadas en el CaSa y se usó la técnica conocida como Rayograma aplicada por Man Ray en 1921 y que se fundamenta en la creación de una fotografía sin uso de cámara fotogràfica.

El resultado de esta producción fotográfica fueron 30 copias (40 x 50 cm) que complementan las creaciones originales de Amorales. Su importancia radica en el uso de las técnicas tradicionales de impresión como medio de creación y en el proceso de traducir lo digital a lo fotográfico artesanal.

Collages | Rosana Schoijett
Los collages están hechos con hojas acartulinadas de revistas y libros antiguos –hoy fetiches del mundo impreso por su sofisticada calidad–, ellos son la materia prima de este homenaje a la imagen reproducida.

Las partes que conforman cada collage están recortadas con tijera o cutter-bisturí y cosidas entre sí con hilo y aguja. Las figuras que surgen son seres en proceso de transformación.

Estos trabajos podrían considerarse reversibles ya que en cada dorso se ha formado un segundo collage involuntario, entre la trama de las costuras y la imagen impresa en el reverso de la página elegida.

Algunos collages serán producidos sobre algunas páginas seleccionadas y sin arrancar de los libros ilustrados, que se convierten así en libros-collages y se exhiben abiertos en la página intervenida.

Siluetas | Rosana Schoijett
Los retratos de siluetas retoman la tradición pre-fotográfica de retratar la proyección de la sombra de un perfil. Antes de la aparición de la fotografía, conseguir perfiles recortados en cartulina negra era la manera más accesible de registrar el aspecto de una persona.

Los retratos en silueta aquí presentados corresponden a todas las personas con las que se relacionó Rosana Schoijett durante su estadía en el CaSa.

Estos perfiles están hechos con cámara digital, iluminación a contraluz; las copias son impresiones en tinta sobre papel de algodón realizadas en el taller de gráfica digital del CaSa.

En ambas series la artista conduce el enigma de la imagen y su impresión: en los collages, la reproducción indeleble sobre el papel y en los perfiles, la impresión, también indeleble, que nos deja otro ser.

El Centro de las Artes de San Agustín y el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo agradecen a Lorena Alcaraz, Hazam Jara, Alba Lozano Martinez, Barak Torrres, y a la Galería Kurimanzutto por el apoyo en este proyecto.

Fuente: Prensa CaSa

PLÁTICA CON ALEXANDER PROVAN

Calle 13 # 25 / Col. San Pedro de los Pinos / México D.F.

Alexander Provan, escritor neoyorquino y editor de diversos proyectos como Stop Smiling, Bidoun, entre otros. En esta ocasión nos presentará Triple Canopy: Una revista en línea, que funciona de diversas maneras, desde un espacio de trabjao hasta una plataforma para actividades editoriales y de comisariado. Trabajando en colaboración con escritores, artistas e investigadores, Triple Canopy facilita los proyectos que involucran a las características específicas de Internet como un foro público y como un medio, uno con sus propias prácticas en evolución de la lectura y la visualización, las economías de la atención, y modos de interacción. De este modo, Triple Canopy está trazando un campo expandido de la publicación, basándose en la historia de la cultura impresa, mientras que actúa como un centro para la exploración de nuevas formas y los espacios públicos constituidos a su alrededor.

El día de hoy cumple 3 años uno de los espacios dedicados al arte mas importantes de nuestro país. Diseñado por Teodoro González de León, el MUAC fue inaugurado en noviembre del 2008. Es poseedor de la primera colección pública de arte actual en el país y sus exposiciones son de carácter temporal. Estas expocisiones se definen a partir de un Seminario Curatorial en donde a partir de problemáticas del arte y en base a teorías y conceptos se definen las líneas a seguir en cada ciclo.

Hoy se celebran 3 años que han visto pasar grandes cantidades de artístas de renombre tanto nacional como internacional. Le mandamos a esta institución una calurosa felicitación por su importante labor en el campo artístico y los invitamos a asistir a su celebración con música contemporánea experimental, improvisación y nuevos medios electrónicos a partir de las 18:00hrs.

C. M. no récord (Alfaguara, 2011) aterriza en el Distrito Federal

Jueves 24 de noviembre | SOMA | 8:30 a 9:30 pm

Participan:

Juan Álvarez (Autor)

Juan Carlos Reyna (Músico Nortec Colective)

Pacho Paredes (Ex baterista La Maldita Vecindad)

Juan Álvarez ( Neiva, 1978 | @_JuanAlvarez_ ). Maestro en creación literaria de la Universidad de Texas en El Paso y actualmente candidato a doctor del programa de Estudios Culturales Latinoamericanos de la Universidad de Columbia en Nueva York. Obtuvo el Premio Nacional de Cuento Ciudad de Bogotá en 2005 por su libro Falsas alarmas (IDCT, 2006 | Alfaguara, e-book, 2011), y el Premio de Ensayo Revista Iberoamericana 2010 (Instituto Ibero-Americano de Berlín) por un texto sobre el insulto y la ofensa como instrumentos políticos en la crisis de la Independencia en Colombia. Coedita la revista literaria El Perro y es miembro del Equipo de Desarrollo de Urtak.com. Acaba de publicar su primera novela, C. M. no récord (Alfaguara, 2011), y fue elegido dentro del proyecto “Los 25 secretos mejor guardados de América Latina” de la Feria Internacional de Libro de Guadalajara en el 2011.

Este proyecto surge de cuestionamientos alrededor del uso de la herramienta digital en procesos de generación de forma a partir de un código, desde la concepción hasta la fabricación. Lleva el paradigma “file-to-factory” a una expresión análoga, prescindiendo de las herramientas digitales pero surgiendo de sus lógicas y dinámicas.

Explora los posibles alcances y consecuencias de una programación inherente a un sistema material dependiente del constructor como motor de un procesos generativo, donde la forma es consecuencia de la interacción de los componentes siguiendo un número reducido de reglas simples.

Cuestiona el rol de la herramienta en el proceso de obtención de forma, los medios de representación y comunicación necesarios para la construcción de una forma dada y el origen mismo de esta forma.

En este sistema el constructor es parte del código de programación, aportando el factor aleatorio fundamental en cualquier sistema emergente.

Antes de la plática se les invita a participar en la construcción de distintas iteraciones del sistema.

INSTRUCCIONES:

Este 24 de Noviembre, se inaugura la exposición colectiva “Fetiches críticos: Residuos de la economía general” en el Museo de la Ciudad de México y estará hasta el próximo 4 de marzo.  Cristina Faesler, directora del Museo, afirmó que esta exposición corresponde a la primera entrega de proyectos de El Espectro Rojo.  Este colectivo formado por Mariana Botey (Quién ha dado cursos y revisiones en SOMA), Helena Chávez y Cuauhtémoc Medina (Quién también ha dado pláticas en SOMA) busca explorar la intersección existente entre las prácticas artísticas y teóricas, desde una perspectiva que cubre los aspectos políticos, postcolonial y poéticos.

En esta muestra participan Maria Thereza Alves, Francis Alÿs, Martín Anson, Karmelo Bermejo, Miguel Calderón, Duncan Campbell, Andrea Fraser, Fran Ilich, Fritzia Irizar, A Kassen, Teresa Margolles, M&X, Raqs Media Collective, Vicente Razo, Gustavo Romano, Bea Schlingeloff, Guillermo Santamarina, Santiago Sierra, Judi Werthein y Federico Zuckerfield.

El Espectro Rojo, convoca en este primer proyecto, ejemplos de intervenciones teórico-estéticas que cuestionan el marco de la reflexión económica ordinaria que se ha impuesto como sentido común en el pensamiento.

Al explorar la ambivalencia y complejidad de la categoría de fetiche como centro de la teorización crítica de la sociedad mercantil, tanto como concepto clave de la relación entre pensamiento ilustrado y colonialismo, la muestra agrupa obras y proyectos de más de 20 artistas.

Esas obras, que apelan a una aparente irracionalidad económica, vertebran el cuestionamiento de las relaciones entre deseo y producción, y la puesta en cuestión de las nociones convenidas de desarrollo, subdesarrollo y eficiencia.

De esa forma, en abierta discrepancia con el carácter melancólico de la reflexión contemporánea, la exposición busca exponer el modo en que una diversidad de intervenciones artísticas recientes, han invocado una constante transgresión política y estética.

Todas las intervenciones y obras compiladas en “Fetiches críticos” exploran el abigarrado y complejo sistema económico del capitalismo, al norte y al sur, como un sistema abierto a fracturas y paradojas que el arte aprovecha en la búsqueda poética de formas de disidencia práctica e intelectual.

¿Qué es ?

Por Daniel Aguilar

puede ser un estado de ánimo, puede ser un ícono, puede ser un error de dedo, pueden ser dos puntos embestidos por la cola de un paréntesis, puede ser interpretado de varias formas y colores dependiendo de la plataforma: Facebook, MSN, Twitter, Word 97, Word 2008, en PC, en MAC, en máquina de escribir, en Corel, a mano y a dictado. La ventaja y lo más divertido de J es que leído en voz alta nunca es el mismo.

“Las revistas son la última resistencia moderna”

Óscar Benassini.

En un momento donde las publicaciones en papel están cada vez más cerca de desaparecer, donde un libro genera más estorbo que presencia, donde la página es .html y no bond, donde publicar impresos es la peor injuria para un electrohippie con ipad, donde la publicación impresa no es otra cosa que un capricho, un fetiche o un trofeo. En ese momento es donde se sitúa y donde acude a los recursos del fanzine, de los manifiestos, de las revistas oficiales, de los diarios impresos, para utilizarlos como estrategia, como suerte de añoranza moderna y reflexionar, principalmente, sobre la situación de la edición contemporánea. Las publicaciones impresas (manifiestos, fanzines, panfletos, pergaminos, revistas, etc.) han sido, y son, un caldo de cultivo de ideas, de proyectos, de ejercicios, se inscribe en esa directriz y escoge el espacio impreso para tratar de agotarlo o agotarse en el intento. es muy feliz, innombrable y lo-fi.

surge como un proyecto de proyectos, como un taller impreso que elabora ensayos en formato de revista. realizará 6 publicaciones caseras en colaboración con seis artistas invitados (cuatro artistas contemporáneos y dos escritores), estos harán las veces de editores invitados y a partir de una línea editorial que propone, generarán cada uno, una publicación que cuestione, principalmente, el papel del editor en la cultura contemporánea.

foto: Kurimanzutto

Hoy se abre al público la primera exposición individual en la Ciudad de México de Monika Sosnowska. Monika, a través de sus diferentes visitas a la ciudad, ha prestado especial atención al crecimiento y transformación orgánico de esta urbe.

Jardín intenta reproducir con obras urbanísticas un paisaje que refleja la situación política y social de la Ciudad de México. La infraestructura (bien y mal usada) del Distrito Federal inspiraron a Monika que encuentra en la espontaneidad natural la forma que la que se construye esta Ciudad y fue justo reproducirla a través de un jardín como es que la artista encontró la mejor forma de expresarlo. Esta instalación esta compuesta de materiales como madera, hierro y concreto que conforman una serie de esculturas.

Monika Sosnowska nace en Polonia en 1972 y es reconocida por trabajar en el campo de la arquitectura y el arte, utilizando los objetos cotidianos para despojarlos de su valor común dándoles una nueva visión basada en situaciones actuales.

El jardín, dentro del espacio de la galería será una instalación en donde utilizará madera, hierro y concreto para la creación de una serie de esculturas. Las instalaciones y esculturas de Monika utilizan el espacio como medio, alterando la arquitectura del lugar para que éste se adapte a su trabajo.

La exposición esta abierta al público desde hoy hasta el 14 de Enero del 2012 y se pude visitarla los días martes y jueves de 11:00 a 18:00hrs y viernes y sábados de 11:00 a 16:00 hrs. Para más información visiten la página de la Kurimanzutto: www.kurimanzutto.com

La propuesta de SOMA es generar una plataforma de discusión horizontal y participativa. Tiene como meta principal optimizar la auto-educación de los artistas jóvenes propiciando interacción entre ellos y con profesionales del arte de diferentes contextos y generaciones. Esto permite un crecimiento a partir del diálogo, volviendo el trabajo más efectivo. Una función primordial del programa es acelerar el proceso artístico, promoviendo el desarrollo del pensamiento crítico. La primera generación del PEC está por concluir sus estudios y hoy muestra su trabajo en el estudio abierto:

DANIEL AGUILAR

(León, 1988). Vive y trabaja en Ecatepec de Morelos, Estado de México. Artista visual, desarrolla su trabajo principalmente en dos plataformas: el dibujo y el collage. Su trabajo se ha incluido en varias exposiciones colectivas la gran mayoría en espacios de su ciudad natal; en 2010 realiza la exposición individual “Hubiera preferido que me déjase dormir” organizada por Abarrotera Mexicana en LARVA, Guadalajara, Jalisco. Es colaborador de la revista de artes La Tempestad. Actualmente dirige el espacio de artista Bikini Wax en León, Gto. En agosto 2011 recibe un apoyo del PAC para la producción del proyecto editorial . Es integrante del PEC en SOMA, Ciudad de México.

PAOLA CABRERA

(Lima, Perú, 1972) . Estudie artes plásticas en la Universidad Católica del Perú, desde mi primera exhibición individual en la Galería Lucia de la puente, mi trabajo a girado entorno a cuestionamientos que tienen que ver con el concepto de espacio. Con el habitarlo, con condicionantes, roles y jerarquías que establecemos en relación al uso y configuración que hacemos de este.

Tome talleres de video y participe en investigaciones y proyectos colectivos como laboratorio de arte urbano y Binape, (la Biblioteca Nacional del Perú) siglas tomadas del espacio en desuso que ocupamos, el colectivo del mismo nombre, en el 2004. Paralelamente, se fueron filtrando también en la construcción de mi obra, experiencias laborales como la docencia y la dirección de arte para largometrajes, haciendo de la acción el detonante para mi trabajo. Así, este se expandió hacia la exploración de fenómenos, de situaciones especificas y se ha ido aproximando al soporte del video ensayo. Intentando establecer puntos de contacto con géneros cinematográficos como el documental o como, en la carpeta del proyecto en proceso que presento: Bicycle Road, con la road movie.

Aborda el actual y creciente fenómeno del ciclismo en la ciudad, como agenciamiento para cuestionamientos, dudas y reflexiones en torno a los temas que involucra, tales como; el uso que le damos a la ciudad, el modo en el que nos desenvolvemos en ella, cada uno de los fundamentos que defienden los diversos movimientos y la arraigada tradición de su uso, marcado por la necesidad o medida de ahorro, de la comunidad ciclista. Y con ello, la utopía de una “otra” ciudad del futuro y la crítica que esta implica a la realidad que vivimos.

Con Bicycle Road pretendo insertarme en la comunidad ciclista del distrito federal, en un plan de ruta de 4 pasos o episodios, en los que entra en juego el ser parte y al mismo tiempo, el captar voluntarios con los cuales realizar una acción como climax de la deriva, por el distrito federal, en busca de conformar una masa crítica insertada en el contexto del arte.

MARíA CERDá ACEBRóN

(Madrid 1984).Vive y trabaja entre Ciudad de Mexico y Madrid. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid ( C.E.S Felipe II Aranjuez. Obtuvo una beca Erasmus en la Universität der Kunst Berlin. Es una de las seleccionadas de la beca Circuitos de Artes Plasticas de la Comunidad de Madrid 2011 y esta dentro del Archivo de Jovenes Creadores Complutense donde se expuso su obra en el Centro de Arte Complutense en 2011. Entre las exposiciones que ha participado destacan, Casa Roma Mexico D.F 2011, Intransit Madrid 2011, Rundgang Berlin 2010, Berliner Dom 2009, Home is where the head hang Alemania 2009, de manera invidual Prototipias, Sala Progreso 80 Murcia 2010.

DULCE CHACóN

(México, DF, 1976), estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. En México ha expuesto su obra en diversos espacios como el Museo Carrillo Gil, Ex Teresa Arte Actual, el Centro de la Imagen, MUCA Roma, Centro Cultural de España así como en la Bienal de Yucatán 2004. En el extranjero en Francia, España, Portugal, Holanda, E.U.A, República Checa y Uruguay. De 1998 a 2003 formó parte del colectivo Atlético, con quienes llevó a cabo eventos y exposiciones tanto en México como el extranjero. En 2001 tomo un curso de Arte Interdisciplinario en la Academie Minerva Faculteit der Kunsten, en Groningen, Holanda. De 2007 a la fecha es académica de la Universidad Centro de Cine y Televisión. En 2010 hace una residencia artística en Ironbridge, Reino Unido. Actualmente forma parte del Programa Educativo de SOMA.

www.dulcechacon.org

CLAUDIA CISNEROS

PAOLA DE ANDA

GABRIEL ESCALANTE

(México, 1984) es artista y curador. Ha transitado conceptualmente de la fotografía a la intervención, produciendo piezas en diversos medios incluyendo acciones, esculturas o usando recursos como apropiaciones u objetos encontrados, para trastocar sus significados y re contextualizarlos. Entre las exposiciones en las que ha participado se encuentran Lupita’s collection, en el O Museum, Tokio, Japón; Nexus +3, en la Borusan Gallery, Estambul, Turquía; Aurafilm, en el Aura Krognos House, Lund, Suecia; No hay duda, nos volveremos a ver, curaduría de Mario García Torres, en la Casa del Lago, México; México. Círculos de confusión: caos social y ficciones dominantes, curaduría de Leo Marz y Rubén Gutiérrez, en el Festival de Artes electrónicas y video Transitio_MX 04, México. Además de tener estudios de arte en SOMA, fue subdirector de la galería RiMHAUS dirigida por Ichiro Irie. También ha sido colaborador del artista Damián Ortega.

CRISTOBAL GARCíA

(México DF 1984) Egresado de la Escuela Nacional de pintura, escultura y grabado ¨La Esmeralda¨, actualmente cursa estudios en SOMA. Ademas, ha cursado clases de escultura en la escuela de arte de Haliburton, Ontario Canada y clases de dibujo y pintura en ¨ El Estudio ¨, Madrid, España. Su cuerpo de trabajo esta conformado principalmente por dibujo y escultura.

Su trabajo tiene como eje temático la idea de la decapitación, entendiendo este acto como la destrucción de un viejo régimen y el dejar atrás todo código o entendimiento implícitos en el respeto mutuo, ultraje a todos los usos de convivencia conocidos y a todo parámetro moral existente. Abordando esta idea con un toque de  humor negro  mediante intervención, la alteración de escala, función, uso y significado de objetos y lenguajes extraídos de la cultura popular y de mass media para así lograr  una parodia y critica de ciertas  dinámicas sociales que provoquen y cuestionen la moral del espectador.

DAVID HERNáNDEZ

ROLANDO LóPEZ

Nacido en 1978 en la ciudad de Aguascalientes, realizó estudios de Diseño Gráfico en la Universidad Autónoma de la misma ciudad, periodo en el que paralelamente inició su acercamiento de forma autodidáctica a prácticas artísticas contemporáneas.

A la vez, su desempeño profesional como diseñador gráfico y artista, lo ha compaginado desde hace 7 años con su labor docente en áreas de diseño gráfico en la Universidad Autónoma de Aguascalientes, así como en la Licenciatura en Artes Visuales del Instituto Cultural del mismo Estado.

Las exploraciones que ha realizado a partir de sus propios intereses lo han llevado a ser seleccionado en varias emisiones del Encuentro Arte Joven y obtener reconocimientos en diversos concursos locales entre los que destaca el ser becario del FECA en el periodo 2007-2008.

Su búsqueda de prácticas artísticas colaborativas le han permitido integrar grupos artísticos como Arteria Lab y La Agencia A.C., colaborando desde el 2009 y hasta la fecha en ésta última.

Recientemente obtuvo el grado de Maestro en Ciencias Sociales y Humanidades con énfasis en Comunicación  por la UAA y fue seleccionado beneficiario del FONCA en la categoría de Medios Alternativos para la edición 2011- 2012.

YANIEB LóPEZ

FEDERíCO MARTíNEZ

ALICIA MEDINA

ANTONIO MONROY

(1984, Toluca, Edo., de México)

Vive y trabaja entre Ciudad de México y Toluca

e-mail: notecreomas@gmail.com http://antoniomonroy.blogspot.com

Monroy ha desarrollado su carrera principalmente en Tijuana, Ciudad de México y Toluca; su trabajo reciente integra la concepción del Dibujo Expandido en experiencias lúdicas, aplicadas a prácticas deportivas y de su vida diaria, buscando como resultado la expresión de la energía corporal y emocional del individuo; para ello se vale del performance, la instalación e intervenciones, además de la fotografía y el dibujo. Antonio Monroy es fundador del proyecto Bizonte Lab en la ciudad de Toluca; un espacio independiente para el desarrollo de proyectos de diseño y arte contemporáneo, en colaboración con artistas jóvenes.

DANIEL MONROY

Daniel Monroy Cuevas México 1980

Realizo estudios de video y artes visuales en Guadalajara, México. y posteriormente tomo cursos de cine en la Vancouver Film School. Desde entonces ha enfocado su práctica al video, el dibujo y la instalación.

Su trabajo consiste en una manipulación extrema de la materia (física y virtual), que busca producir descubrimientos estéticos que generen nuevas experiencias de conciencia, emocionales, mentales y espaciales. Sus soportes recurrentes son el video, el dibujo y la instalación.

Sus trabajos de video se han mostrado en diferentes festivales y exposiciones en México y el extranjero, como el Festival Internacional de Cine de Morelia, Videobrasil en Sao Paulo, Brasil en 2007, la bienal de video VIDEOZONE, en Tel-Aviv, Israel en 2006, y ZONEMA, una muestra de video de artistas mexicanos realizado en el Chelsea Center for the Arts de Nueva York en 2006. También ha participado en diferentes exposiciones colectivas, de las cuales se destaca: “Bing Bang y otras historias de la evolución” en el centro cultural Border en México D.F. en 20010, “CLAVE: Yo es otro” en Museo Casa Serrano, Lagos de Moreno 2008. “This is about nothig” en galería Promotoraarte, Guadalajara, Jalisco en 2010. Sus exposiciones individuales mas recientes son “Intransigente” en el LARVA, (Laboratorio de arte variedades) en 2009 y ENLOCACIÓN, en el MAZ (Museo de Arte de Zapopan), ambas en Guadalajara, Jalisco, en 2011.

NURIA MONTIEL

Nuria Montiel nace el 28 de enero de 1982 en la Ciudad de México. Cursa la licenciatura en Artes Visuales de la ENAP-UNAM. Ha obtenido en dos ocasiones la beca Jóvenes Creadores/ FONCA (2005-2006, 2010-2011). En el 2007 recibe el Premio Nacional Arte Joven Aguascalientes XXVII con el libro de artista DiVagancia. Del 2007 al 2009 forma parte del grupo Jokus y del Seminario de Medios Múltiples con quienes edita el libro MM2. Su trabajo se ha mostrado en exposiciones colectivas en México, Estados Unidos, Italia, Polonia y España en distintos museos y espacios culturales como el Museo Universitario de Arte Contemporáneo, el Museo Carillo Gil, Centro de la Imagen y la Galería Kurimanzutto entre otros. Es integrante de La Galería de Comercio y del taller de estampa Blanco Ediciones. Actualmente vive y trabaja en la ciudad de México.

BEGOÑA MORALES

Begoña Morales, nace en 1977 en Lima, Perú. Tras estudiar algunos años la carrera de Psicología, en el año 2000 decide mudarse a México y estudiar Artes Visuales en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado. Actualmente vive y trabaja en México, donde ha expuesto en diferentes instituciones culturales como La Casa del Lago, el Museo de Arte Moderno y la Sala de Arte Público Siqueiros. Su trabajo ha recibido distinciones como la Beca del FONCA, la Residencia El Ranchito Matadero-Madrid y la Beca Bancomer-MACG.

CRISTINA OCHOA

Cristina Ochoa,

Bogotá, Colombia. 1976.

Artista visual bogotana, quien se ha desempeñado activamente como artista, en en diferentes áreas de las artes visuales. Estudió Arquitectura, Artes Visuales y Artes plásticas en La pontificia Universidad Javeriana en Bogotá, y en La Universidad Nacional de Colombia. Durante los últimos años, ha articulado su trabajo en torno a las nociones de consumo, coleccionismo, seducción y las políticas del deseo. Utilizando diversos medios principalmente, Instalación, collage, video y performance.

Actualmente se encuentra en México DF trabajando en su próxima exposición La Creciente que se presentará en Ex Teresa. También como Becaria del PEC en SOMA y como becaria en La UNAM en el Diplomado de Gestión y marketing de proyectos culturales, y en el diplomado de derechos de autor en la misma institución.

SUSANA RODRíGUEZ

DAVID ZEPEDA

SIEZE THE TIME

C-Print, 40 x 50 cm.

2010

La autobiografía de uno de los dirigentes de las Panteras Negras llamado Bobby Seale, la cual fue escrita mientras cumplía su condena se llama Sieze the Time. En esta serie, se seleccionaron algunas páginas del libro y fueron fotografiadas y manipuladas para mostrar las palabras refiriéndose a armas de fuego. Las Panteras Negras declararon que tenían derecho a portar armas por cuestiones de defensa propia y en defensa a su comunidad y las fuerzas del gobierno.

En Sieze the Time, este juego de poder se reducía a tan solo el uso de herramientas. El extracto de éstos, demuestra el potencial de los medios sin mostrar la fuente o causa.

DIBUJO

EVERYBODY WANTS TO READ OUT LOUD

Performance, C-Print

Colaboración con Stine Marie Jacobsen
2009

En un performance con duración variable, dos artistas leen en voz alta uno al otro en el espacio de exhibición. La colección de libros de la cual leen es la colección personal de cada artista. El trabajo se dirije hacia el valor de la colección de literatura, ideas, memorias y el compartimiento de la palabra escrita.

Søren Thilo Funder es un artista visual con sede en Copenhague, Dinamarca. Sus obras son producciones audiovisuales que se ocupan de diversos ámbitos de la cultura así como de la integración de aspectos de la teoría crítica, la literatura, el cine, la cultura popular y las disciplinas contra-culturales. Su trabajo se caracteriza por realizar investigaciones formales acerca de las distintas relaciones de poder en la sociedad contemporánea. A través del uso de narrativa cinematográfica, coreografías y puestas en escena, sus obras denuncian la precariedad de la sociedad y el vínculo roto entre la política y lo público. La nostalgia se yuxtapone con el actual e impredecible sujeto político, tratando de ir más allá de la mera representación de la actualidad, si no también presentando un futuro próximo o en ocasiones hasta una realidad paralela, con el fin de plantear nuevas cuestiones y generar un nuevo espacio potencial, un tercer lugar, para la contemplación política y la contra-memoria.

Søren Thilo Funder tiene una Maestría de la Real Academia Danesa de Bellas Artes así como en la Escuela de Arte y Arquitectura de la Universidad de Illinois en Chicago. Ha expuesto sus obras en numerosos contextos internacionales, galerías, festivales de cine, museos y exposiciones en distintos espacios públicos.

Ha sido artista en residencia en la Townhouse Gallery de El Cairo, Frankfurter Kunstverein en Frankfurt am Main y Platform Garanti Contemporary Art Center en Estambul.  Se presentó en la Bienal VII Shiryaevo de Arte Contemporáneo, en la 2 ª Bienal Internacional de Arte Joven, en la Sexta Bienal Internacional de Liverpool así como en Manifesta 8.

Actualmente Soren Thilo Funder forma parte del programa de residencias de SOMA junto con el apoyo del PAC y el Danish Arts Council.

Mario García Torres, miembro del consejo de artistas de SOMA presenta el día de mañana “Te invito a mi mundo II”:

Es poco conocido el hecho de que décadas antes de 1983 cuando Michael Jackson hiciera popular el moonwalk, bailarines, mimos y cantantes de diversos estilos y geografías practicaron este famoso paso de baile.

Las obras que Mario García Torres produjo alrededor de este tema pretenden reivindicar un dato revelador y poco conocido en esta genealogía: el cantautor popular mexicano Rigo Tovar (1946-2005) bailaba también una rudimentaria versión del moonwalk al ritmo de cumbia desde principios de los años setenta.

Como parte de Te invito a mi mundo II Proyectos Monclova en conjunto con Felix Bar activarán este martes 8 de noviembre la obra Moonwalk (at Rigo´s pace) instalada en la fachada del distinguido bar de la colonia Roma y permanecerá exhibida por lo siguientes seis meses.

De manera simultánea, en la galeria se estará proyectando la instalación en diapositivas Moonwalk (Rigo style) hasta el 17 de diciembre.

Martes 8 de noviembre

de 19:00 – 21:00 hrs. en Proyectos Monclova

General León 31

Col. San Miguel Chapultepec
México D.F. C.P 11850
MEXICO

y de 21:00 – 02:00 hrs. en el Bar Felix

Alvaro Obregon 64

Col. Roma Norte
México D.F.
MEXICO

Eduardo Abaroa is an artist and writer working in the fields of sculpture, installation and live action.  He has shown his work in several major museums in Mexico; LA MoCA, PS1 and ICA Boston in the United States; Reina Sofía Museum in Spain; Kunstwerke, in Germany, the Nottingham Contemporary Museum in the UK, etc. He has participated in Busan, Korea and Mercosul in Porto Alegre, Brasil. Early this march he exhibited Demolition Project: Antrhropology Museum in Kurimanzutto Gallery, Mexico City.

As a writer, he was an art reviewer for the art section of Reforma newspaper, and has written for other Mexican publications like Curare, Casper, Moho, Codigo 06140 and Tomo. He has contributed texts for exhibition catalogues of artists related to the Mexican context like Francis Alÿs, Melanie Smith, Pablo Vargas Lugo, Tercerunquinto and Dr. Lakra, among others.  In the early nineties he co-founded the T44 artist run space in Mexico City. He directed the 9th International Symposium of Art Theory in Mexico City (SITAC) in 2011. Eduardo is the regular course director at Soma.

Marcela Armas was born in Durango in 1976. She lives and works in Mexico City. Her work relates urban situations, sound actions, installations, video and documents in order to investigate about the capacity of different materials and technologies to produce poetics of social reflection. Energy consumption and urban space are some of her main issues.

Armas received a BFA by the University of Guanajuato and a MFA by the Politecnic University in Valencia, Spain. She has been supported by the National Foundation for the Arts in Mexico for the development and research of New Media Projects. She is artist in residence in the New Media Research Center in Mexico City.

She directed with Gilberto Esparza, experimental electronics workshops Fundación Telefónica VIDA 10 in Peru, Argentina, Chile and Mexico. Her work has been exhibited in Mexico, United States, Colombia, Spain, Brazil, Peru, Canada and Italy.

Magali Arriola is a curator and art critic. Until recently Magalí worked as the Chief Curator of Museo Tamayo in Mexico City. As an  independent curator, Magali has organized El dulce olor a quemado de la historia , the 8th Bienal of Panamá (2008) and Prophets of Deceit at the Wattis Institute For Contemporary Arts, San Francisco (2006). Before joining Tamayo’s team, Magali was Chief Curator of Museo Carrillo Gil in Mexico City, curator in residency at Wattis Institute For Contemporary Arts and founder member of group Teratoma and the National Committee of Artistic Industry (CANAIA).

Mariana Botey is an artist/critic born in Mexico City in 1969. She is Assistant Professor in Modern/ Contemporary Latino American Art History in the Visual Arts Department at UCSD. Botey received her Ph.D. in Visual Studies at the University of California, Irvine, in 2010. She graduated in 2000 with an MFA from the University of California, Irvine Studio Art Department Program; and in 1997 with a Bachelor of Arts from Central Saint Martins School of Art and Design in London, England. Academic director of the graduate theory seminar Zones of Disturbance (August 2009-August 2011) at the University Museum of Contemporary Art (MUAC) in UNAM. Her experimental video documentaries have been shown at the Guggenheim Museum in New York and Bilbao, The Reina Sofia Museum in Madrid, The San Diego Museum of Art, The Museo Carrillo Gil in Mexico City, Red Cat Theater at the Disney Hall in Los Angeles amongst many other museums, galleries and festivals. Since 2009 she is a founding member of the editorial and curatorial committee of The Red Specter: a phantasmal, agitation, and conspiratorial organization working at the intersection of art, politics and theory. The Red Specter is based in Mexico City and is at the center of a wide web of international collaborations with artist, critics, designers and curators. Lives and works in San Diego, California.

Amy Sara Carroll is Assistant Professor of American Culture / Latino / a Studies and English at the University of Michigan, Ann Arbor.  She received a Ph.D. in Literature from Duke University (2004), and an MFA in Creative Writing (Poetry) from Cornell University (1995). Her research, teaching, and writing interests include Latino/a American contemporary cultural production (performance, art, video, and literature), feminist, queer, and postcolonial theory, visual culture, cultural studies, inter-American studies, border studies, and critical creative writing. Her poetry has appeared in various journals and anthologies such as Talisman, Carolina Quarterly, The Iowa Review, Mandorla, Chain, Bombay Gin, Seneca Review, Borderlands, Faultline, This Bridge We Call Home, and Not For Mothers Only: Contemporary Poets on Child-Getting and Child-Rearing. She has exhibited poem-prints at the Audre Lorde Project (Brooklyn, New York), Duke University Museum of Art, Schweinfurth Memorial Art Center (Auburn, New York), and State-of-the-Art Gallery (Ithaca, New York).

Sande Cohen received a PhD in intellectual history from UCLA. He taught at Brown (1976-79), UCLA (1979-87 and 2008-2009), and CalArts (1980-2009).  He currently divides his time between the U.S. and mostly the Chiang-mai area of Thailand.  He is the author of, among other works, Historical Culture (1986, UC Press); Academia and the Luster of Capital (1993, Minnesota); French Theory in America (co-ed, 2001, Routledge); and History Out of Joint (2006, Johns Hopkins).  His most recent essays are in Cultural Critique (75, 2010) and Rethinking History (2011).  His main area of interest is historiography—the intellectual coding(s) and other organizations of all things timed, including the untimely. This involves using close analysis of discursive behavior in the criticism of institutional practices.

Abraham Cruzvillegas (México DF, 1968) es miembro de la Sociedad Internacional de Tai Chi Taoísta. Estudió pedagogía en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México de 1986 a 1991 y fue parte del taller de Gabriel Orozco de 1987 a 1991. Su obra se ha expuesto en el Contemporary Art Museum-Houston, el Museum of Contemporary Art de Chicago, la Redcat Gallery, en Los Ángeles, la Tate Modern Gallery, en Londres, el Centro Cultural Monte Hermoso, en España, el New Museum, en Nueva York, Modern Art Oxford, Le Carré, en Nimes, Artsonje, en Seúl, entre otros. Desde 1990 Cruzvillegas ha dado clases e impartido cursos y tutoriales, así como coordinado seminarios y talleres en diferentes instituciones dedicadas al arte, a nivel internacional, como la DIA Art Foundation, Malmö Art Academy, Ruskin College-Oxford, Duke University, NYU, Glasgow School of Art, CalArts, the New Museum, California College for the Arts, the Nasher Museum of Art, the Museum of Contemporary Art Chicago, Tate Modern, the Guggenheim Museum, the University of Houston, la Universidad Nacional Iberoamericana, la Universidad de Guanajuato, el museoTamayo, el Centro de la Imagen, el Centro Nacional de las Artes, la Universidad de Sonora, la Universidad de Las Américas, San Francisco Art Institute, UCLA, UCSD, la ENAP-UNAM, La Esmeralda. También ha escrito ensayos y crítica de arte en catálogos, publicaciones periódicas y especializadas como Bomb Magazine, Bidoun Magazine, Artforum, Gagarin, Curare,Casper y los diarios Reforma y La Jornada, entre otros.

Irving Dominguez is a Mexico City based curator and visual arts independent researcher. He had studied history of photography and theoretical approaches to photography on Centro de la Imagen (CONACULTA), Escuela Nacional de Antropología e Historia (INAH) and Instituto de Investigaciones Dr. José María Luis Mora. He attended curatorial workshops at Centro de la Imagen and the seminar Cultural and theoretical studies on curatorial practice at Teratoma, A. C.

In 2007 he helped to create the documentation center of Casa Vecina (FCHCM). From 2008 – 2009 he was curatorial researcher at Centro de la Imagen, and member of the seminar Gender theory and Visual culture studies hosted by Instituto de Investigaciones Estéticas and Programa Universitario de Estudios de Género – UNAM during the same period.

Recent curatorial work had been made for the Centro Cultural San Carlos – Academia de San Carlos (UNAM) and the Festival Foto 30 on Guatemala City both on 2010. He contributed to the collective project www.mapademexico.org under the direction of spanish artist Rogelio López Cuenca. Twice (2009, 2011) had participated on the Encuentro de críticos e investigadores de foto organized and supported by PhotoEspaña Festival and the AECID – Ministerior del Exterior, España.

Nowadays is the coordinator of the project Derivado. Propuesta de interpretación de centros de documentación that involves a group of 7 artists generating artistic experiences after research on contemporary art museums’ documentation centers. Is member of Taller Multinacional, www.tallermultinacional.org, and Centro ADM, www.centroadm.com, artistic independent iniatives both located in Mexico City.

Ricardo Dominguez is a co-founder of The Electronic Disturbance Theater (EDT), a group who developed Virtual-Sit-In technologies in 1998 in solidarity with the Zapatista communities in Chiapas, Mexico. His recent Electronic Disturbance Theater project with Brett Stabaum, Micha Cardenas, Amy Sara Carroll and Elle Mehrman, the *Transborder Immigrant Tool* (a GPS cellphone safety net tool for crossing the Mexico/U.S border was the winner of “Transnational Communities Award” (2008), this award was funded by *Cultural Contact*, Endowment for Culture Mexico – U.S. and handed out by the U.S. Embassy in Mexico), also funded by CALIT2 and two Transborder Awards from the UCSD Center for the Humanities. *Transborder Immigrant Tool* was exhibited at 2010 California Biennial(OCMA), Toronto Free Gallery, Canada (2011), the project was also under investigation by the U.S. Congress in 2009/10, and was also reviewed by Glenn Beck in 2010 as a gesture that potentially “dissolved” the U.S. border with its poetry. Ricardo is an Associate Professor at UCSD in the Visual Arts Department, a Hellman Fellow, and Principal/Principle Investigator at CALIT2 (http://bang.calit2.net). He also co-founder of *particle group*, with artists Diane Ludin, Nina Waisman, Amy Sara Carroll, an art project about nano-toxicology entitled *Particles of Interest: Tales of the Matter Market* that has been presented in Berlin (2007), the San Diego Museum of Art (2008), Oi Futuro, and FILE festivals in Brazil (2008), CAL NanoSystems Institute, UCLA (2009), Medialab-Prado, Madrid (2009), and Nanosferica, NYU (2010).

Ruth Estévez was born in Spain and currently lives in Mexico City where she was Chief Curator at the Museo de Arte Carrillo Gil from 2007 to 2010. Ruth received a BFA from the Universidad Pública del País Vasco (the Public University of the Basque Country), a MA in Art History from the Mexican National Autonomous University (UNAM), and a MA in Museography from the European Institute of Design in Madrid. She is currently working on her thesis for her PhD in Art History at UNAM. Ruth has curated  individual exhibitions for artists such as Fernando Ortega, Gabriel Acevedo, and Guy Ben Ner. She has also organized several group exhibitions: El horizonte del topo/The Mole´s Horizon. Palais de Beaux Arts, Brussels, Belgium, One Foot Apart. Galería Leme, Sao Paolo, Brazil and co-curated: Proyecto Cívico at the Centro Cultural Tijuana, Frontier: A Sketch for the Creation of a Future Society, Chiapas, Mexico, among others. Actually she is the Co-Director and Curator of LIGA-Space for architecture-DF, the first private space in Mexico dedicated to architectural and urbanistic practices.

Mario Garcia Torres was born in Monclova, Mexico in 1975 and lives and works in Mexico City.  Some of his recent solo exhibitions include: September Piece, Jan Mot, Brussels (2011); Directions: Cyprien Gaillard and Mario Garcia Torres, Hirschhorn Museum Museum, Washington (2010); What Doesn’t Kill You Makes You Stronger, FRAC Franche-Comté, Besançon (2010); Have You Ever Seen the Snow?, Museo Reina Sofia, Madrid (2010); I Will Be With You Shortly, Peep-Hole, Milan (2010);  It’s Embarrassing, but for Some Time Now I Only Have Had Title Ideas in English, Espai 13, Fundacio Joan Miro, Barcelona (2009); Unspoken Dailies, Taka Ishii Gallery, Tokyo (2009); The Exhibition Formerly Known as Passengers 2.11: Mario Garcia Torres, 9 at Leo Castelli, Wattis Institute, San Francisco (2009); Early Color Video Tapes, Proyectos Monclova, Mexico City (2009);  MATRIX 227, UC Berkeley Museum of Art and Pacific Film Archive, Berkeley (2009); All That Color is Making Me Blind, Jan Mot, Brussels (2009); Il Aurait Bien Pu Le Promettre Aussi, Jeu de Paume, Paris (2009); Some Stories that Went Missing…, Kunsthalle Zurich (2008); Mario Garcia Torres, White Cube, London (2008).  He has also participated in numerous important group exhibitions: 29th Sao Paulo Biennial (2010); Taipei Biennial, Taipei (2010); 8^th Panama Biennal, Panama (2008): Yokahama Triennial, Yokahama (2008); Biennale di Venezia, Venice (2007).

Anthony Graves is an artist and founding member of Camel Collective, formed in 2004. In 2004–05 he was a fellow at the Whitney Independent Study Program, and in 2009 received his MFA from the College of Architecture, Art, and Planning at Cornell University. He has exhibited internationally under his own name and that of Camel Collective in venues such as Artists’ Space, New York; the Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams; Sala de Arte Público Siqueiros, Mexico City; OCAT in Shenzhen, China; and Århus Kunstbygning in Århus, Denmark. He has written on the work of Michael Ashkin, and has an essay in the forthcoming book Architectural Inventions. Anthony Graves is based in Brooklyn, New York.

Chip Lord is an artist who works with video and photography. As a member of Ant Farm [1968-1978] he produced the video art classics Media Burn  and The Eternal Frame as well as the Cadillac  Ranch sculpture in Amarillo, Texas.  Since 1980 he has worked independently and in collaboration producing video installations and single channel  videotapes. His media work straddles documentary and experimental genres, often mixing the two, and has been shown widely at film and video festivals and in Museums. In 2005 a survey of his video work was shown at the Museo Nacional Centro de Arts Reina Sofia in Madrid, Spain.  His photo project Movie Map was shown at the Rena Bransten Gallery in 2003 and in the group exhibition, AUTO.SUEÑO Y MATERIA in Gijon and Madrid, Spain, 2009.  In partnership with Bruce Tomb and Curtis Schreier he created Ant Farm Media Van v.08 [Time Capsule], for the exhibition “The Art of Participation from 1950 until Now” for SFMOMA, 2008.  In 2010 he completed a public video art piece, titled To & From LAX,  for the remodeled Bradley Terminal at LAX Airport.  A related single channel video, IN TRANSIT, was completed, 2011.

The exhibition, ANT FARM 1968-1978, originated by the Berkeley Art Museum and Pacific Film Archives, 2004, has shown at five other locations in the US and Europe.   Additional exhibitions were at the FRAC Centre, Orleans, France (Oct. 11 – Dec. 22, 2007) and the Graduate Architecture School at Columbia University (March, 2008). Each exhibition produced a book monograph about Ant Farm.

Nate Harrison is an artist and writer working at the intersection of intellectual property, cultural production and the formation of creative processes in modern media. He is currently working on his doctoral dissertation, “Appropriation Art and U.S. Intellectual Property Law Since 1976.” Nate’s art work has been exhibited at The American Museum of Natural History, The Whitney Museum of American Art, The Centre Pompidou and The Kunstverein in Hamburg, among others. Nate has also lectured at a variety of institutions, including Experience Music Project, Seattle, the Art and Law Residency Program, Volunteer Lawyers for the Arts, New York and SOMA Summer, Mexico City. Nate earned a Bachelor of Fine Arts from the University of Michigan, a Master of Fine Arts from California Institute of the Arts and is a doctoral candidate, Art and Media History, Theory and Criticism in the Visual Arts Department at the University of California, San Diego. Currently Nate is on the faculty at the School of the Museum of Fine Arts, Boston, and lives in Brooklyn, New York.

Carla Herrera-Prats received her BFA at “La Esmeralda,” in Mexico City, and her MFA in Photography at CalArts, Los Angeles. She has been a participant at the Whitney Independent Study Program in New York. Carla has recently taught at the Cooper Union, the California Institute of the Arts, the Department of Visual and Environmental Studies at Harvard University, and the Vermont College of Fine Arts. She is the Director of the Graduate Program at the School of the Museum of Fine Arts and runs Soma Summer. She has shown her work in venues such as Sala de Arte Publico Siqueiros, Darb, MUAC, Centro de la Imagen, Museo Dolores Olmedo, in Mexico City; Centre Vu, Quebec; Artists Space, Art in General, New York; The Contemporary Museum of Baltimore, and Darb, Cairo, among others. Herrera-Prats is co-founder of Camel Collective, a group of artists, writers and film makers with whom she has worked since 2005.

Szu-Han Ho is an artist whose work addresses the intersection of spatial practices, material culture, and affective knowledge. Her research interests have revolved around the shared metaphors of economics and ecology. After receiving a B.A. in Architecture from UC Berkeley, she launched a multi-year collaborative project integrating art installation, architectural proposals, performance, and agricultural research on a 250-acre site in West Texas. She studied at the School of the Art Institute of Chicago, where she received an MA in Visual and Critical Studies and an MFA in Film, Video, and New Media. Recent projects include a mobile exhibition at the Geographic Center of the US (in conjunction with the Center for Land Use Interpretation), a performative property survey at Mildred’s Lane Historical Society, and a traveling exhibition of analogue models to psyches and natural systems. She is currently developing a collaborative, site-specific choral piece based on bird communication. Szu-Han teaches in the Department of Art and Art History at University of New Mexico.

Cuahtémoc Medina (Mexico City, Mexico) is an art critic, curator and historian with a PhD in History and Theory of Art, University of Essex, and a BA in History from the Universidad Nacional Autónoma de Mexico, Mexico City. Since 1992 he has been a full-time researcher at the Instituto de Investigaciones Estéticas, Universidad Nacional Autónoma de Mexico, and has taught at the Center for Curatorial Studies, Bard College, Annandale-on-Hudson. Previously, he was the first curator of Latin American Art Collections at Tate, London (2002-2008); director of the 7th International Symposium on Contemporary Art Theory, Mexico City (2009); and is one of the founders of Teratoma, a group of curators, critics and anthropologists based in Mexico City. Exhibitions include Teresa Margolles’s project, What Else Could We Speak About? (2009), for the Mexican Pavilion at the 53rd Venice Biennale; The Age of Discrepencies, Art and Visual Culture in Mexico 1968-1997 (in collaboration with Olivier Debroise, Pilar García and Alvaro Vazquez, 2007-2008), Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Mexico City; Francis Alÿs. Diez cuadras alrededor del estudio (2006), Antiguo Palacio de San Ildefonso, Mexico City; and 20 Million Mexicans can’t be Wrong (2002), South London Gallery. Medina also organized Francis Alÿs’s When Faith Moves Mountains (2002). He is currently organizing Proyecto de Arte Contemporáneo, Murcia with a year-long exhibition project entitledDominó Caníbal. Some of his recent publications include South, South, South, South. 7th International Symposium of Contemporary Art Theory México (Patronato de Arte Contemporáneo, Mexico City, 2010); “Towards a New Architecture” in Tercerunquinto. Investiduras institucionales (INBA-Conaculta, Cuauhtémoc, 2009); “La oscilación entre el mito y la crítica. Octavio Paz entre Duchamp y Tamayo” inMateria y sentido. El arte mexicano en la Mirada de Octavio Paz (Museo Nacional de Arte, INBA-Landucci, 2009); and “Entries” (in collaboration with Francis Alÿs) in Francis Alÿs: A Story of Deception(Tate Publishing, London, 2010). He also contributes a bi-weekly art criticism column “Ojo Breve” inReforma newspaper, Mexico City.

Yoshua Okón was born in Mexico City in 1970 where he currently lives. His work is like a series of near-sociological experiments executed for the camera blends staged situations, documentation and improvisation and questions habitual perceptions of reality and truth, selfhood and morality. In 2002 he received an MFA from UCLA with a Fulbright scholarship. In 1994, he founded La Panadería, an artist-run space in Mexico City.

His solo shows exhibitions include: Octopus, Hammer Museum, Los Angeles, USA, HH, Baró Sao Paulo Brazil, Yoshua Okón: 2007-2010, Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco, Ventanilla Única,Museo Carrillo Gil, Mexico City, Canned Laughter, Viafarini, Milan, SUBTITLED, Städtische Kunsthalle, Munich, Bocanegra, The Project, NY, Gaza Stripper, Herzeliya Museum, Israel, Cockfight, Galleria Francesca Kaufmann, Milan, Oríllese a la Orilla, Art & Public, Geneva, Lo Mejor de lo Mejor, La Panadería, Mexico City. His Group exhibitions include: Amateurs, CCA Wattis, San Francisco, Laughing in a Foreign Language, Hayward Gallery, London, The Age of Discrepancy, MUCA, Mexico City, Adaptive Behavior, New Museum, NY, Terror Chic, Spruth/Magers, Munich, The Virgin Show, Wrong Gallery, NY,Mexico City: an exhibition about the exchange rates between bodies and values, PS1, MoMA, NY, and Kunstwerke, Berlin. He has also participated in: Mercosur Bienial, Porto Alegre, Brazil, Istanbul Bienial,Istanbul, ICP Trienial, NY, California Bienial, OCMA, New Port Beach and Torino Triennale, Turin.

Gonzalo Ortega received an MA in Kunst im Kontext (Art in Context) from the Universität der Künste Berlin in 2006 and a BFA in Visual Arts from the National University of Mexico (UNAM) in 1996. From 2007 to 2011 he was director of the Museo Universitario de Ciencias y Arte – MUCA Roma, where he organized the exhibitions: El arca de neón (the arch of neon), 2008; Proyectos para desconstrucción (Projects for deconstruction), 2009;A-B, 2009; and Residual / Artistic interventions in the city, www.residual.com.mx, a collaboration with the Goethe Institut Mexico and the UNAM, and ORBE (2011). He is co-founder and curator of the independent project plusminus7 for the support of Latin American art in Berlin, Germany, together with the German art historian Kirsten Einfeldt and visual artist Angelica Chio. Gonzalo has edited and contributed in many catalogues such as Residual / artistic interventions in the city, UNAM-Goethe Institut, 2010; MEMORIAS 2003-2006, and 2006-2009, Museo Universitario de Ciencias y Arte, MUCA Roma, 2007; Berlinz. Sprachraum Berlin-Linz, Universität der Künste Berlin and Kunstuniversität Linz, Austria, 2006; Still Life. Naturaleza Muerta, Museo de Arte Carrillo Gil, 2003; Coyote, I like Mexico and Mexico likes me, or just another dead Mexican of American artist Daniel Joseph Martínez, Museo de Arte Carrillo Gil, 2001.

Luis Felipe Ortega was born in Mexico City in 1966. He has presented his work in solo and group exhibitions since 1993. Though Ortega uses different media (sculpture, installation, photography, drawing), video has been a permanent tool in his production. He started recording actions and then making visual narratives that make the viewer travel through silence and void. In 2001 the Centre Pompidou acquire his piece Remake, 1994 (in collaboration with Daniel Guzmán). His most recent solo exhibition, titled This is it, now is now, opened at the Laboratorio Arte Alameda, in Mexico City, in 2010.

Raul Ortega Ayala. The methods Ortega Ayala draws on in his practice have resembled the work of an ethnographer. Immersing himself as a ‘participant observer’ in environments such as those connected with food, gardening and office work, he has then used the materials and experiences resulting from these immersions to produce groups of works which he calls ‘souvenirs’. The artist’s engagement with each ‘world’ has included taking employment as well as conducting practical and theoretical research. He is currently exploring a new methodology for a new series of work devoted to the concept of absence.

Ortega Ayala lives and works in Mexico City. He received an MFA from the Glasgow School of Art and Hunter College in New York and studied philosophy at the National Autonomous University of Mexico concurrently with his undergraduate degree in painting. His work has been exhibited internationally including recent solo shows at Stroom, The Netherlands, Museo Experimental El Eco, Mexico, The Kowalsky Gallery, London (curated by Gilane Tawadros) and in group shows at TENT / Witte de With in Rotterdam, Tramway in Glasgow, EV+A in Ireland, the Liverpool Biennial and the Barbican Centre.

Barbara Perea is a Mexico City-based contemporary art critic and curator, with a special focus on electronic, sound art and video. She has a degree in Art History (Universidad Iberoamericana, Mexico City). In 2001 she co-founded the curatorial collective (id)entity David Perea, with fellow curator Mariana David. As David Perea, they participated in Habitat Sónico, the fourth edition of the Sound Art Festival, at X-Teresa Arte Actual (Mexico City, 2002), organised an artist residency program which included Artur Zmijewski, Pawel Althamer, Jorge Macchi and David Castro, curated five exhibitions, and co-produced two artworks by Santiago Sierra and Artur Zmijewski. From 2003 to 2006 Barbara Perea served as director of  MUCA Roma, in Mexico City (University Museum of Science and Art) where she curated or organized numerous exhibitions. She has published over 50 reviews and essays in the magazines Dónde ir (Mexico City), Artecontexto (Madrid), and Artlies (Houston) and contributed to the following exhibition catalogues: Plataforma Puebla 2006 (Puebla, 2006), Arnulf Rainer: la imagen equivocada (Mexico, 2007) Rafael Lozano-Hemmer: Some Things Happen More Often Than All of The Time (Madrid, 2007), amongst others. With Príamo Lozada, she was artistic co-director of Plataforma Puebla 2006, and co-curator of the Mexican Pavilion at the 52 Venice Biennial, which hosted Some  Things Happen More Often Than All of the Time, a solo show by Rafael Lozano-Hemmer. With Guillermo Santamarina she co-curated Soni(c)loud, as guest curators for the experimental sound festival Radar (April, 2007), and prepared the opening exhibition and acquisitions programme for Laberinto de las Ciencias y las Artes, a science and art museum in San Luis Potosí, Mexico. She has worked as New Media lecturer at CENTRO university, in Mexico City and is currently part of the team of Transitio mx, the Internation Electronic Art and Video Festival.

Paul Pfeiffer (born Honolulu, Hawaii, 1966) is an American video artist whose work incorporates the use of found footage. He studied at the San Francisco Art Institute (BFA Printmaking) and Hunter College, New York (MFA), and has lived and worked in New York since 1990. Pfeiffer is represented by carlier | gebauer, Berlin and Thomas Dane, London.

He has had solo shows at the UCLA Hammer Museum, Los Angeles (2001), the Whitney Museum of American Art, New York (2002), the Barbican Arts Centre, London (2003), the Museum of Contemporary Art, Chicago (2003), The Project, New York (2007), carlier | gebauer, Berlin (2008), MUSAC, Leon, Spain (2008) and the Hamburger Bahnhof, Berlin (2009).

He participated in the Whitney Biennial in 2000 and was awarded the inaugural Bucksbaum Award. In 2001 he participated in the 49th Venice Biennale. He won the visual arts Alpert Award in 2009.[1]

Pfeiffer’s work is time-consuming and meticulous. “Pfeiffer makes a show of removing his subjectivity while investing himself intensely in his work: It can take him four months to produce a scant two minutes of video.”[2]

He is the recipient of the Guna S. Mundheim Prize and Fellow at the American Academy in Berlin for Fall 2011.

Vicente Razo (Mexico City, 1971) is a Mexican artist currently based in New York. His work engages in a polemic and critical understanding of art practice as a possibility for cultural resistance and social intervention. He is interested in the intersections between popular culture, politics and art production, therefore his work ranges from museum making, printing ready mades to creating record libraries. Razo studied art in the Universidad Nacional Autonoma de Mexico, received an MFA from New York University and attended the Whitney Independent Studio Program. Razo has presented his work in The Museo de la Ciudad de Mexico, Los Angeles Contemporary Exhibitions, Dispatch New York. He has exhibited in group shows at PS1 Contemporary Art, South London Gallery, Circulo de Bellas Artes in Madrid, Spain, MALBA in Buenos Aires, Argentine, The Pinacoteca do Estado in Sao Paulo, Brazil and Ex-Teresa in Mexico City, among others venues. Razo’s work is in the collection of the Hammer Museum, and at the collection of the MUAC, the institution with the biggest collection of contemporary art in Latin America. His art has been reviewed by the New York Times, Artnews, Artforum, Frieze, and Art Nexus, amongst others. Razo’s work has been highlighted in the anthologies about contemporary Mexican art  New Tendencies in Mexican Art (Palgrave-MacMillan 2004) and The Age of Discrepancies: Art and Visual Culture in Mexico, 1968-1997 (Turner-UNAM 2006). He is the author and editor of the book “The Museo Salinas Official Guide” (Smart Art Press, 2002)

Jorge Reynoso is currently Technical Secretary of the Dirección General de Artes Visuales, located at MUAC (the Museum of Contemporary Art of the Universidad Nacional Autónoma de México). He has been director of the Sala de Arte Público Siqueiros (2007 – 2009), and vice-director of both the Museo de Arte Carrillo Gil (1991 – 1998) and the Museo Universitario de Ciencias y Artes (MUCA, 1998 – 2003). Besides his work as curator and museographer of contemporary art projects, he is professor of Art History at the Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado and at Centro, Diseño, Cine y Televisión. Reynoso frequently writes about contemporary art, from academic papers to books for children.

Tyler Rowland was born in 1978 in Reno, Nevada, raised in Phoenix, Arizona, and lives in New York. Rowland is an information-gatherer, a material-collector, and an object/tool-maker. He believes that art has social value. He uses his life, his work, his family, and his home/studio as departure points and often sacrifices or copies objects of personal value. He has shown at venues including Mass MoCA (North Adams, MA), SAPS (Mexico City), Murray Guy Gallery (NYC), GASP (Boston), More Fools in Town (Turin, Italy), and at ESL Projects, Shoshana Wayne Gallery, Los Angeles Contemporary Exhibitions, and Eungie Joo’s Six Months (all in LA). He has a BA from Vassar College and an MFA from California Institute of the Arts. He has taught at Northeastern University, Massachusetts College of Art, Harvard University, and Edward Everett Elementary in the Boston area and currently he teaches sculpture at Vassar College.  Rowland will be featured in an up-coming group exhibition in Mexico City at UNAM’s Casa de Lago in February 2012.

(Ilusión y Decepción de Fritzia Irizar)

Este fin de semana se realizó la 13 Bienal de Artes Visuales del Noroeste, el encuentro mas importante en cuanto a Arte se refiere en la región. Lo premios se basaron en adquisiciones y los ganadores fueron Fritzia Irízar, Marcela Rico, Ling Sepúlveda (de Sinaloa) y Daniel Ruiz (de Hermosillo, Sonora), por las obras ‘Ilusión y decepción’, ‘Este paisaje no se puede levantar II’, ‘Somos gallos’ y ‘Puente sin fin’, respectivamente.

Para esta Bienal, se seleccionaron a 79 artistas de la región la cual conforma 5 estados; 36 autores son de Sinaloa, 14 de Sonora, cinco de Baja California Sur, 22 de Baja California y dos de Nayarit.y se repartieron hasta $100 mil pesos por la obtención de la obra de los ganadores.

El jurado que conformó esta edición estuvo compuesto por Yoshua Okón, Michel Blancsubé y Patrick Charpenel. El certamen otorgó además 10 Menciones Honoríficas a Miriam Yisiel Salado Esquer y Alejandra Avilés Duarte, de Sonora; Luisa Delia Orduño Cázarez, Pablo Llana y Juan Sebastián Beltrán, de Baja California.

POR DANIEL AGUILAR
Hipsters, zombis, cholos, saicos, escatos, artistas y otros se dieron cita el pasado viernes 21 de octubre en el espacio de artista Bikini Wax con motivo de la presentación de La Imprenta Móvil de Nuria Montiel, artista visual (integrante del PEC de SOMA).

En esta ocasión, el trabajo de Montiel (México, D.F., 1982) se decantó por la impresión completamente manual, más artesanal aún, pues dejó de lado el tórculo y el carrito característicos de este proyecto artístico.

Esta nueva versión de La Imprenta Móvil, no impidió, sino todo lo contrario, que el imprescindible diálogo colectivo se entablase con los asistentes, pues éstos fueron los encargados de iniciar dicho diálogo al pensar, anotar (por todo el espacio) y compartir una frase que para ellos representara alguna protesta contra los diversos y maltrechos órdenes, el social, el político, el económico o el cultural.

Dichas frases iban siendo impresas, manualmente, por la artista y su asistente y pegadas el los muros de Bikini Wax por los propios visitantes del espacio, raros transeúntes de un raro espacio público, para después ser removidas y pegadas nuevamente, casi de manera estratégica, a través del circuito a recorrer por la marchade los zombis, a favor de los animales maltratados.

De esta forma, La Imprenta Móvil, y todo su sorprendente proceso, pudo apropiarse y vulnerar, no solo Bikini Wax, sino también una parte de la ciudad de León particularmente transitada, observada y cuidada con indefinible celo, que es a lo que aspira la artista con este proyecto.

Mas fotos:

Ambiente de Estereo realidad 2, (2005-2008)
Jose Carlos Martinat en colaboración con Enrique Mayorga.
20 impresoras termicas , cables, CPU, programa de búsqueda web.
Vista de intervención en Lima – VAE.

Editorial Alias estará presente 3 Miércoles de SOMA con interesantes descuentos.

Estrella Cercana es un proyecto efímero/objeto de kurimanzutto con motivo de su nueva exposición “Estrella Distante”, en torno a la literatura de Roberto Bolaño. Es un semanario literario con fin de vida, de siete números, abarcando la duración de la exposición. Actualmente esta corriendo el quinto número. En el puedes encontrar reportajes, crónicas, foto, foto-ensayo, comics, mapas, o periodismo gráfico, basados en datos y hechos, la curiosidad, y en el espíritu de la investigación literaria.

A a cargo de Daniel Hernández, Homero Fernández, Alberto Bustamante, Javiero Rivero y Adiranne Montemayor, lo podrás encontrar cada sábado en Kurimanzutto o en los siguientes puntos de distribución: Librería Rosario Castellanos, SOMA, Conejo Blanco, MUAC, Porrúa (Centro Histórico), Péndulo (Polanco y Condesa), Centro Cultural Tlatelolco y Museo Carrillo Gil.

Puedes visitar su website www.estrellacercana.net o seguirlos en Twitter @StrellaCercana

Nate Harrison, colaborador y tutor del programa SOMA Summer, ganó el premio de Arts & Education con su ensayo: The Pictures Generation, the Copyright Act of 1976 and The Reassertion of Authorship of Posmodernity. En una conferencia organizada por E-Flux y Art Forum llamada No Rules: negotiating art and deregulation participaron los finalistas Nate Harrison, Natilee Harren, Yates McKee. Arts & Education es un premio anual para historiadores del arte y académicos emergentes. Este foro se organiza para facilitar la proyección los trabajos e investigaciones de los académicos y para que tenga la oportunidad de presentarlos ante los jurados invitados.

El jurado de este año se conformó por:

Daniel Birnbaum, Director del Moderna Museet

Claire Bishop, Profesor asociado en Historia del Arte en la división de posgrados del CUNY

Tim Griffin, Director y curador en jefe en The Kitchen

Suzanne Hudson, Co-fundador y Presidente del Society of Contemporary Art Historians

Molly Nesbit, Profesor en Historia del Arte del Vassar College

Brian Kuan Wood, Editor del e-flux journal

Pueden ver mas del trabajo de Nate en su página: http://nkhstudio.com/

Aquí un extracto del ensayo:

The Pictures Movement, the Copyright Act of 1976, and the Reassertion of Authorship in Postmodernity

In the three decades since Sherrie Levine and Richard Prince first exhibited their appropriated photographs–the unaltered images blatant in their disregard for copyright law–the tyranny of authorial rights and the increase in infringement litigation across the cultural spectrum has been nothing less than astonishing. Lawsuits over unauthorized use of cultural products are so commonplace as to imagine that within contemporary art, appropriation since the Pictures generation might have been determined by artists to be a very legally risky endeavor. And while there has been the occasional lawsuit involving appropriation art that is eventually judged to be in violation, those familiar with contemporary art will have no doubt sensed that appropriation is alive and well. There is a lot of copying going on, and as art historian Martha Buskirk describes, “the types of copies that appear in contemporary art are as varied as the materials artists have employed.”

There are some initial observations that might help explain this. First and perhaps obvious is the notion that most artists, after all, are not legislators, lawyers or judges. In the most basic sense, artists remain arbiters not of law but of culture, historically tasked with interrogating its signification, even as the commodification of the sign–so heavily theorized in the 1980s– has become inextricably linked with its regulation through the legal apparatus. Creative disregard for the rule of copyright law is perhaps then a type of anti-establishment dismissal, feeding the notion that for artists, the law does not apply. And while that isn’t true, it might appear that way. As Richard Prince himself has stated, in justifying the use of the Marlboro Man campaign for his Untitled (cowboy) series of photographs: “I never associated advertisements with having an author.”

Any immunity from (or at least willful ignorance of) intellectual property law that artists claim can be contextualized within an institutionalization of art that is at once in formal dialogue with but in relative consequence cutoff from the everyday economic-legal “facts” of mass production. Much of contemporary art seems to operate “under the radar,” its works momentary blips of limited range, its market values and potentials paltry in comparison to the monetary sums indicative of big-budget spectacle culture. Art seems to pose no threat to the status quo, and certainly not to its economy. Therefore any of art’s transgressions against the legal regimes that govern both it and mass culture are more or less acceptable in the former, because they are innocuous to the latter. As Peter Bürger laments in describing the seeming impotence of a critical avant-garde project, “It is the status of their products, not the consciousness artists have of their activity, that defines the social effect of works.”

But what of those instances when artists’ transgressions are considered a threat? Who evades the law, who doesn’t, and why? To understand how appropriation art slips in and out of the grasp of intellectual property regimes, inquiry should be carried out at the level of artistic praxis and legal case study: what sort of content have artists been appropriating? How, if at all, are they transforming it, and to what ends? Where in the cultural and economic structures of society are the appropriated, the “violated,” located, and what bearing does this location have on the potency of appropriation?

La Imprenta Móvil, construida a partir de la estructura de un carrito ambulante posible de instalar en cualquier lugar, ha sido pensada como un medio de expresión social donde la prensa es el dispositivo para entablar un diálogo colectivo. La idea de trasladar el tórculo al espacio público y ponerlo a disposición del transeúnte, surge ante la búsqueda por ocupar el espacio público con una postura política que reivindique la manera en que nos apropiamos de éste y la forma en que nos comunicamos en él.

En el proceso he desarrollado una metodología de creación incluyente con públicos ajenos al mundo del arte, basada en la interacción del taller con la ciudad y las personas que en ella habitan; desplazando el carrito en busca de las distintas comunidades, entornos económicos, políticos y sociales que conforman y cohabitan una urbe.

El tórculo, objeto absurdo en el espacio publico -tecnología de otro tiempo y por ello tal vez percibido como obsoleto en el contexto de la calle- es el objeto a partir del cual surge la conversación con el transeúnte.

Nuria Montiel forma parte del Programa Educativo Completo (PEC) de SOMA

Calle 13 # 25 / Col. San Pedro de los Pinos / México D.F.



Jose Carlos Martinat (Perú) actualmente reside en México DF

La obra de José Carlos Martinat  generalmente toma como punto de partida el contexto del espacio donde esta es desarrollada. Para realización de sus proyectos se  vale de diferentes medios,  instalación, escultura, programación,  mecánica, apropiación, entre otros.

Su trabajo ha sido expuesto en diversos espacios entre los cuales podemos destacar: La Trienal Poligráfica de Puerto Rico, La Bienal de Mercosur , la Bienal de Nord Holland junto a Marjolijn Dijkman, museo de arte contemporáneo de Vigo, museo Mali de Lima, Carrillo Gil, La Laboral de España, Pinacoteca de Sao Paulo, la Tate, Malba, Ifa de Alemania entre otros.

ARTEMIO, aka El Rolls Royce del Arte Contemporáneo Mexicano, es un artista multimedia que abarca el video, la escultura, la instalación y la pintura. A través de la apropiación y reinterpretación de distintos elementos e íconos, Artemio yuxtapone un gran rango de conceptos políticos, poder, estructuras e ironías. En los últimos dos años ha expuesto individualmente en Bogotá, Lima, DF, Guadalajara, Nueva York y Londres. Así mismo ha expuesto colectivamente en Moscú, Sidney, La Havana, Miami y Seúl.